Augustin Lasage - Art Brut

Augustin Lesage , nacido el 09 de agosto de 1876 en Saint-Pierre-lez-Auchel ( Pas-de-Calais ), murió el 21 de febrero 1954 , fue un pintor francés inclasificable. Se adjunta a la moción espiritualista , estudiada por André Breton, que se integra en la colección de l'Art Brut , como una importante figura 

Recomiendo no perderos los dos vídeos al final del post

Augustin Lesage fue un pintor de principios del siglo XX, representante del movimiento espiritista, cuyos trabajos destacan por la ornamentación, la simetría y el color. La obra de Lesage ha sido catalogada también como Pintura Automática o Psíquica, fenómeno donde la persona, sin ser un artista entrenado es capaz de producir excepcionales obras de arte, generalmente en un período muy breve de tiempo, y supuestamente bajo el control de una entidad espiritual.

Muchas de las obras de Lesage presentan una simetría parcial y en ocasiones total, donde la pintura se va desarrollando en torno a una línea central, dada la composición de carácter monumental, donde algunos de sus lienzos evocan a composiciones arquitectónicas.  Lesage llegó a la cima de su arte durante los años 20, a través de composiciones abstractas grandes (en promedio entre 1 y 2 metros), que consistían en una sucesión de patrones repetitivos, principalmente de capas horizontales cada vez más profundas (se cree que a raíz del trabajo que ejerció como minero) y con un  ritmo de progreso en sus obras muy rápido.

Pero el aporte más importante de la obra de este artista se refiere a que su estética simétrica, geométrica y formal anticipa tres de los grandes movimientos artísticos del siglo XX:  el arte abstracto (que se reconoce desde Kandinsky en 1910, y Malevich en 1915), el surrealismo (que comienza cerca de 1917) y el art brut ( que aparece en 1945).

Desde el punto de vista cromático, la obra de Lesage se caracteriza por una gran cantidad de matices, yuxtapuestos, que van generando texturas y ambientes. El artista comienza sus obras con un par o trío de colores primarios, los que luego va dividiendo, fragmentando, transportando junto a espirales y formas geométricas, y de esta manera dan orígen a un gran conjunto de matices diversos, que completan las obras.

Con esta técnica que se inicia a partir de colores primarios, las pinturas obtenían una apariencia muy saturada o brillante, ya que  Lesage generalmente utilizaba los pigmentos de tonos más puros, preferiblemente con un pincel para cada uno. Además aplicaba cantidades muy grandes de pigmento, pero distribuyéndo los colores en pequeños puntos de luz, en algunas ocasiones, o como figuras ornamentales en relieve, en otras. De esta manera un mismo color podía aparecer como fondo en zonas del cuadro, y luego como figura, en otras zonas del mismo.

Lesage desarrollaba esta tecnica de alternancia cromática de manera intuitiva, casi adelantándose al estudio de la interacción del color que tuviera lugar los años posteriores a 1920, en el marco de la Bauhaus, a cargo de Johannes Itten en un principio y de Josef Albers más adelante. Otro de los recursos que Lesage aplicó dentro de su obra se relaciona con la mezcla óptica, que permite distinguir un color general, de una multitud de pequeñas porciones de otros colores que lo componen.

Augustin Lesage realizó más de 300 obras, sus primeras pinturas fueron consideradas especímenes de los más atrevidos del arte moderno y exploró casi todas las posibilidades de la abstracción geométrica. Ya con la vista muy deteriorada debió resignarse a dejar los pinceles en el año 1952, dos años antes de su muerte.

Augustin Lesage nació en Saint-Pierre-lez-Auchel el 09 de agosto 1876 . A los 7 años, perdió a su hermana menor María, de cuatro años. En la región minera del norte de Francia, era natural que comenzara a trabajar en la mina a los14 años después de su certificado de estudios . Pero esta vez es su madre quien, ese mismo año, murió de cáncer del labio. A los 18 años, conoció a su futura esposa, con quien tuvo una hija en 1895 . A los 20 años, fue reclutado por los regimientos de Dunkerque y Lille, de donde regresó en 1900 para hacerse cargo de "la existencia de un trabajador sencillo y duro en la mina."

Una noche de 1911 , cuando tenía treinta y cinco años, oyó una voz profunda en la mina, asustado oyó: "Un día serás un pintor ". El mensaje se repitió poco después, y la voz - el sentido de sonido de la palabra - no lo escucho más de una vez. Al año siguiente, fue iniciado en el espiritismo y participó en sus primeras sesiones. Allí, bajo el impulso de lo que él piensa es el espíritu de su hermana María, que murió a la edad de cuatro años, comenzó sus primeros dibujos automáticos.

Desde julio de 1913 , Augustin Lesage, dejó de trabajar en la mina para dedicarse a las actividades curativas. Decenas de pacientes afirmaron haber sido curados por él, y tuvo éxito en la obtención de su absolución en el tribunal que en enero de 1914 , lo juzgó por ejercicio ilegal de la medicina . A continuación, fue a la guerra entre 1914 y 1916.  A su regreso, volvió a la pintura que nunca va a dejar más tiempo hasta su muerte.

En 1921 recibió la visita de John Meyer, director de la Revista Espiritista . Este rápidamente se convirtió en su mecenas, lo que permitió a Augustin Lesage, finalmente salir de la mina en 1923 para dedicarse por entero a la pintura.

dejó cerca de 300 pinturas divididas en colecciones privadas y públicas

Dos vídeos muy interesantes en concepto y realización

1923 es una animación realizada por Max Hattler basada en los trabajos del pintor francés  Augustín Lesage (1876-1954 ), concretamente de un cuadro llamado Una composición simbólica del mundo espiritual realizada en 1923

1925 nueva animación realizada por Max Hattler basado en el trabajo pictórico del francés Augustin Lesage   

Animador experimental y artista Max Hattler estudió en Goldsmitths (Londres), Escuela de Cine de Madrid (España) y el Royal College of Art (Londres), donde se graduó con un MA (RCA) en animación en 2005. Ha tenido exposiciones individuales en Lumen Eclipse (Estados Unidos), Media Art Frisia (Holanda), Broadway (Nottingham, Reino Unido) y Someonesgarden (Tokio) y retrospectivas en imagen Foro Festival (Japón), Festival de animación de Fredrikstad (Noruega), Festival de MUMIA (Brasil) y Branchage Festival de cine de Jersey (Islas del canal).

Vinzenz Brinkmann

He aquí algunas imágenes fascinantes creadas por el arqueólogo alemán Vinzenz Brinkmann y su equipo de investigación Brinkmann, el ex director del Museo Gylptothek en Munich, analiza cuidadosamente el residuo de los pigmentos en la superficie de las esculturas clásicas y a continuación, utiliza estos datos para extrapolar cómo estas obras originalmente aparecieron. Los resultados son, por decir lo menos, sorprendentes.

El Sarcófago de Alejandro , 320 antes de Cristo, tal y como aparece hoy en día.

La reconstrucción de Brinkmann de la forma en que apareció originalmente.

Detalle

Troya, arquero ( 490-480 aC ), desde el Templo de Aphaia en la isla griega de Egina.

La reconstrucción de Brinkmann.

Estas imágenes son la reconstrucción más completa de esta pintura que se ha visto hasta ahora, y su estridencia es casi chocante para el ojo moderno. Como Brinkmann sostiene que el modernismo del siglo XX nos ha enseñado a glorificar la pureza, la sencillez y la inexpresividad de las superficies sin adornos,  el modernismo estaba tomando el ejemplo de lo marcado por el neoclasicismo de la era napoleónica. Brinkmann dice: la sustancia misma del mármol tiene un atractivo innato:

"En los tiempos modernos", explica, "el mármol ha sido apreciado por el efecto de su superficie. Los escultores de la antigüedad lo conocían como el material que les permitía hacer exactamente lo que querían. La estructura cristalina de mármol es absolutamente pura y uniforme. Es el material natural más homogéneo en el mundo. 

Qué extraño, se podría decir, que a los escultores antiguos les pareció bueno para sofocar esta perfección cristalina, el color naranja llamativo, tonalidades amarillas, etc. Pero este es un fantástico ejemplo de lo fácil que es interponer a las intenciones actuales, los valores y la estética del pasado. Una sociedad que equipara la belleza simple, sin adornos, del mármol blanco puro con el arte elevado. Nos resulta difícil lidiar con el chillón tecnicolor de la escultura clásica. Para mí, sin embargo, la sensibilidad estética lúdica que la obra de Brinkmann ha revelado, en realidad concuerda mucho mejor con lo que sabemos de la cultura griega antigua, que los edificios de mármol blanco y suave que encontramos reproducidos a través de los centros culturales del mundo occidental.

Vinzenz  Brinkmann  ( nacido en 1958 en Göttingen ) es un arqueólogo alemán. Brinkmann creció en Gauting cerca de Munich y estudió arqueología clásica en Atenas y Munich. En 1987 se doctoró con observaciones el establecimiento formal y el contenido semántico del friso de Siphnierschatzhauses en la Universidad Ludwig-Maximilians con el trabajo.

Sandy Skoglund

SIN PHOTOSHOP

Décadas antes de que ya hubiese Photoshop, la artista estadounidense Sandy Skoglund empezó a crear imágenes surrealistas mediante la construcción de conjuntos muy elaborados, un proceso que tardó meses en completarse. Sus obras se caracterizan por la cantidad abrumadora de un mismo objeto con colores contrastados o un esquema de color monocromático. Nacida en Quincy, Massachusetts en 1946, estudió arte y la historia del arte en el Smith College en Northampton, Massachusetts, desde 1964 -1968. Se mudó a New York en 1972, y comenzó a trabajar como un artista conceptual, que trata de la producción repetitiva, el arte orientado a los procesos a través de las técnicas de decisiones y la fotocopia repetitiva de imágenes fijas. Skoglund fue profesora de arte en la Universidad de Hartford entre 1973-1976. Actualmente es profesora de fotografía y arte de la instalación / multimedia en la Universidad Rutgers en Nueva Jersey.

Max Beckmann

Soy reacio a postear pintores archifamosos, pues su obra ya es sobradamente 

conocida por cualquiera que este más o menos interesado en la pintura, 

pero haré una excepción con Beckmann, ya que es uno de mis favoritos.

Una selección de sus trípticos

La Partida 1932-35

La Tentación 1936-37

Los Acróbatas 1939

Perseus 1940-41

Los Actores 1942

Los Ciegos Inmóviles 1945

Empezando 1949

Un acrílico que pinté hace unos años, dedicado a Beckmann

Max Beckmann ( 12 de febrero de 1884 - 27 de diciembre de 1950 ) Beckmann nació en Leipzig en el seno de una familia de granjeros, que abandonaron la granja para establecerse en Leipzig después de su nacimiento.  Comenzó a dibujar a una edad temprana y en 1900 ingresó en la Academia de Artes de Weimar.Beckmann contrajo matrimonio con Minna Tube en 1903, y ambos se trasladaron a París. Beckmann también visitó Florencia y Génova antes de establecerse en Berlín, en 1904. Su primera exposición fue en 1912, y sus primeros cuadros muestran la influencia de los impresionistas. Su obra tuvo éxito y Beckmann pudo dedicarse por entero al arte.Beckmann sirvió como médico durante la Primera Guerra Mundial, pero fue dado de baja tras sufrir una crisis nerviosa. Se considera que sus experiencias en la guerra tuvieron un enorme efecto en su obra posterior y sus cuadros comenzaron a adoptar un estilo expresionista.Beckmann dio clases en Fráncfort del Meno desde 1915, pero fue despedido de su puesto por el partido Nazi en 1933. A principios de los años 30, visitó París con frecuencia para pintar y fue durante esta época que empezó a usar los trípticos, influido en parte por El Bosco.Sus cuadros fueron clasificados como degenerados  por los Nazis en 1937 y Beckmann se estableció en Ámsterdam.En 1947, abandonó Ámsterdam para establecerse esta vez en los Estados Unidos. Primero en Missouri y más tarde en Nueva York. Murió en 1950 por un ataque al corazón mientras se dirigía al Museo Metropolitano para asistir a una exposición de su obra.

Marcel Meyer

Se le llama CINEMAGRAPH a la inclusión
sobre fotografías fijas, de elementos en un bucle de movimiento

Marcel Meyer con sede en Mainz, Alemania, nos ofrece su nuevo trabajo de cinemagraph llamado " Mis pesadillas infantiles favoritas ". Meyer estudió bellas artes en la FH-Mainz en Alemania y este fue su proyecto final de carrera. " Es un proyecto muy personal, " dice, " todas las imágenes están inspiradas en sueños que tenía cuando era un niño pequeño."