jueves, 21 de marzo de 2013

Nicolás Kalmakov - pintura, ilustración





Tamara y el demonio




 En la galería Charpentier 1928 París


INTRODUCCIÓN

En 1955, un emigrado ruso  murió solo, desconocido y en la pobreza en el Hôpital de Lagny , al norte de París. Después de liderar una existencia de ermitaño en su pequeña habitación en el hotel de la Rochefoucauld en París, este anterior aristócrata ruso había creado una fascinante obra que, considerada excéntrica y sin valor, fue encerrada en el almacenamiento y en el olvido. 

A lo largo de su vida solitaria, había pintado obras que reflejaban sus obsesiones con diversos martirios, el ascetismo, la decadencia, la espiritualidad y la sexualidad. Ejecutado en un estilo marcado por el  art nouveau ruso, sus imágenes, sin embargo trascendieron ese movimiento, teniendo rastros innegables de la visión demente, de hecho, genial. Sólo en 1962 algunas de sus obras salieron a la luz cuando  Bertrand Collin du Bocage y Georges Martin du Nord descubieron cuarenta lienzos en el Marché aux Puces, ( mercadillo de las pulgas ) un gran mercadillo en el norte de París. Todas las obras de esta colección inusual estaban firmadas con el monograma de una estilizada 'K'. El comerciante húngaro que vendió el lote incluyó en él un cartel de una exposición celebrada en la Galerie Le Roy, Bruselas, en 1924. Aquí, apareció por primera vez, el nombre completo de la misteriosa 'K' - Nicolás Kalmakoff.

-----------





Bertrand Collin du Bocage y Georges Martin du Nord

Martin du Nord se dedicó a la investigación de la historia de la vida de este visionario desconocido, que pronto se convirtió en una tarea obsesiva para él. En primer lugar, algunos fragmentos de cuadernos du Nord: noviembre 1962 - Descubierto el origen de los cuadros: se venden a la casa de subastas Drouot por un guarda de almacenamiento desconocido por algunos cientos de francos, junto con libros y ropa el 6 de noviembre 1962 - Adquisición de cuatro pasteles grandes del mismo lote a Drouot. Uno lleva la marca de Mir Iskousstva ( un movimiento del siglo de San Petersburgo de pintores secesionistas.) diciembre 1962 - Entrevista en Bruselas con Le Roy, el propietario de la galería donde Kalmakoff tuvo su exposición. Viejo, letárgico y gruñón, Le Roy no recordaba nada. 29 de diciembre 1962 - Encuentro con Nicolai Fabergé, de 83 años de edad. Se acordó de haber ido con su tío a visitar Kalmakoff hace veinte años en su habitación, en la rue de la Rochefoucauld. Después de visitar todos los hoteles de la calle, no encontré nadie que pudiera recordar al pintor. 24 de enero 1963 - Después de colocar un anuncio en la russe Pensée, fui contactado por Madame Evreinoff, que recordaba Kalmakoff en los países bálticos entre 1923 y 1928. Parece que estaba activo en el teatro de San Petersburgo antes de la Primera Guerra Mundial.  Enero 1963 - El guardián de almacenamiento desconocido ha sido identificado como señor Walbaum. Después de ser puestas en almacenamiento en 1927, las obras de Kalmakoff se mantuvieron intactas durante los siguientes treinta y cuatro años. Por último, Walbaum las había tasado. De acuerdo con el experto en arte, "ellas no valían un vaso de sidra.



Firma de Nicolás Roerich Kalmakov

28 de enero 1963 - Un punto de inflexión. Entrevista con el pintor Ivanov que conocía bien a Kalmakoff, pero sólo en París y sólo hasta cuando se separaron en 1942. Ivanov recordó que Kalmakoff murió en un hospicio de París.- principios de febrero de 1963 - El hospicio se ha identificado: Chelles, donde se quedó Kalmakoff desde 1951 hasta su muerte en 1955. Ninguna explicación de sus últimos días. - 3 de abril 1963 - El agujero entre 1942 y 1951 ha sido llenado. Se reunió con el último amigo íntimo Madame S. Aprendí muchos detalles sobre su vida, y adquirí 18 nuevos lienzos (. KALMAKOFF, L'Ange de l'Abîme, desde 1873 hasta 1955 et les peintres du Mir Iskousstva, . Musée-Galerie de la Seita, Paris, 1986 A partir de entonces, este catálogo se refiere como KAL. Todas las traducciones del francés son del autor.)  Después de permanecer en tinieblas y oscuridad durante treinta y siete años,  las obras fueron exhibidas por fin en Galerie Motte París en febrero de 1964. Esto llevó al descubrimiento de veinticuatro nuevas obras en Metz - incluyendo una serie completa que una vez decoraron una capilla dedicada (irónicamente) a los resucitados llamado Chapelle du Résurrectoire Fortin. Cuatro años más tarde, otra exposición en la Galerie Jacques Henri Perrin. Finalmente En mayo de 1986, una gran exposición de sus obras fue organizada por Musée-galerie de la Seita, dando como resultado la monografía color: KALMAKOFF, L'Ange de l'Abîme, 1873-1955 Una película documental de Annie Tresgot ( también llamada L'Ange de l'Abîme ) proporcionó entrevistas con contemporáneos de Kalmakoff. A través de estas diversas fuentes ( todas en inglés ), una imagen vaga y fragmentada de reclusión surge a la luz. Y, sin embargo, las mismas obras - muchos de ellas autorretratos - invitan a una gran cantidad de especulaciones sobre la vida del artista y su visión muy particular sobre el mundo. Hizo que sus ideales espirituales lo condujeran hacia un ascetismo extremo, el cual tuvo el efecto contrario de liberar en sus lienzos una rica profusión de erotismo reprimido, afeminamiento, misoginia y el narcisismo - que culminó con delirios de Satanismo e incluso de Divinidad. El enigma de su vida y obra sigue sin resolverse - un laberinto en el que el escritor especulativo ( y el lector curioso ) recorra a su propio riesgo ...

-------------


EL LABERINTO KALMAKOFF: SU VIDA Y OBRAS 1873 - 1955

Nicolai Kalmakoff nació en una situación privilegiada. Su padre fue un general ruso, y su madre de ascendencia italiana. Nació en Nervi en la Riviera italiana el 23 de enero de 1873. A diferencia de la mayoría de los aristócratas rusos, fue bautizado católico romano en lugar de un ruso ortodoxo  (debido, sin duda, a su madre italiana). Mientras tanto, su institutriz alemana era aficionada a los cuentos de hadas de Grimm, y éstos dejaron una impresión duradera en su imaginación infantil. 
      
Como Kalmakoff explicó: "Ella me hizo vivir en un mundo imaginario tomado de los hermanos Grimm con una rociada de Hoffmann. Devoraba esos cuentos con deleite. Alrededor de los nueve años yo solía deambular en el cuarto más lejano de nuestra casa, donde cuidadosamente esconderme. Entonces, solo en la oscuridad, yo pedía al diablo que apareciese. " 

Su hombría tenía todas las marcas de la aristocracia rusa. Desde Italia, la familia se mudó a San Petersburgo, y Kalmakoff estudió en la prestigiosa Escuela Imperial de Derecho. Allí, se codeó con los príncipes y nobles, adquiriendo la arrogancia de la que más tarde sería bien recordado. En aquel momento, se reunió con Nicolai Evreinoff, un compañero que era tan apasionado por el teatro como Kalmakoff era por la pintura. Después de graduarse a la edad de veintidós años, Kalmakoff se lanzó a la pintura, mientras que Evreinoff comenzó a dirigir a 'le Théâtre Ancien '. Desafortunadamente, no se sabe nada acerca de las actividades Kalmakoff durante este tiempo. Un relato apócrifo relata que pasó los siguientes siete años en Italia enseñandose a sí mismo pintando y estudiando anatomía en un hospital cercano, en la medida de los cadáveres de disección.

--------------


EL MATRIMONIO Y EL DIABLO
Los primeros trabajos misóginos




Satanás - 1923

En 1905 Kalmakoff estaba otra vez en St. Petersburg, casado y viviendo en una pequeña casa en el tranquilo barrio Petershof. Ahora con treinta y dos años de edad, muchas anécdotas sobre sus excentricidades comenzarán a partir de este período. 

Según el actor Mgebrov, "En Petershof, cerca del parque, tenía una casa pequeña con altas ventanas estrechas, decoradas con muebles antiguos. Los pasillos serpenteaban en muchos pequeños rincones, pasajes y escaleras. 
      
"Un día, mientras yo lo estaba visitando , me susurró misteriosamente que, desde hace algún tiempo, había estado pintando el diablo. "Tengo todo el piso de arriba con bocetos-dijo con un brillo extraño en los ojos. "Yo me quedo despierto hasta altas horas de la noche y vigilándolo. He cogido un vistazo de sus ojos ...su cola ... incluso sus pezuñas ... pero todavía no lo he visto a él por completo. Aún así, he hecho cientos de bocetos - ¿quieres verlos? Y, de hecho, en el polvoriento desván de su casa me mostró una variedad fascinante y aterradora de dibujos que retrataban los ojos del diablo, cola y pezuñas. Él estaba absolutamente seguro de que estas eran las cosas que había visto. "

 Aunque no sobreviven pinturas de este período, Kalmakoff más tarde volvió sobre el tema del diablo. A Satanás, un trabajo verdaderamente asombroso a partir de 1923, el Señor de la oscuridad aparece en medio de una gran variedad de criaturas extrañas, más notablemente una serpiente enroscada en el primer plano. La cara del diablo, como un cráneo de cabra, es cabezón y coronado con alas de murciélago. Misteriosamente, se sienta delante de un altar con cuernos ante llama de una pirámide que oculta su sexo. 

Sus contemporáneos recuerdan que, mientras vivía en Petershof, Kalmakoff se unió al  movimiento Skoptzy, una secta rusa que rechazaban los sacramentos de la iglesia ortodoxa, en la creencia de que Cristo se podía revelar dentro del cuerpo de cualquier aspirante fiel ( Rasputin fue uno de los primeros adeptos de la secta ) Una negación rigurosa de la carne fue llamada de hecho, el Skoptzy vio el sexo como la fuente de todo mal - para ser combatida a través de la abstinencia, el ascetismo y, si es necesario, la castración ( la palabra. Skoptzy deriva de "castrado" ). 
      En este contexto, la luz que oscurece el sexo del diablo adquiere un curioso significado. A través del fuego luminoso, Kalmakoff ha oscurecido, borrado, e incluso 'castrado' el diablo, que es de hecho la fuente del sexo y todos sus males. . 
      Ciertamente, Martin du Nord crea un retrato de Kalmakoff como un asceta extremo. Afirma que las creencias del artista lo llevaron a la misoginia y hasta malos tratos de su esposa.

      "Para castigar a su mera existencia", escribe Kalmakoff,  Hacia callar a su esposa en su casa mientras pintaba todo el día ... pintó para él y para su liberación - susurraba misteriosamente que estaba pintando el diablo ... El tema principal de sus obras aparecieron en este momento: que la mujer está vinculada con el mal como su encarnación y emisaria". 





Las Mujeres de Nadjis - 1911

Pero, si la misoginia, sin duda, abunda en su trabajo, también lo hace un erotismo intenso cada vez más, la memoria de Mgebrov nos da una idea de las primeras obras de Kalmakoff, ahora perdidas para nosotros: "Todas sus obras traicionan un cierto erotismo - un erotismo tan abrumador que sólo podía ser atribuido a Satanás mismo, o peor aún, a una fuerza aún mayor que el de Satanás, a algo infinitamente más impresionante y aterrador ... "Hace un par de años vi una verdaderamente prodigiosa pintura suya en Evreinoff, una pintura que estaba impregnada totalmente por su hiper-diabólico erotismo. Representaba los sexos de un hombre y una mujer en unión. Pero utilizando esa gama de colores tan particulares, él creó extraños patrones rítmicos alrededor ellos, que evoca un sentido de misterio. Los dos sexos se presentan de manera que usted cree que fueron testigos de la creación del mundo. "        Mgebrov, que conocía bien a Kalmakoff, admitió una fuente erótica demoníaca del artista -, pero también va más allá de este punto de vista, al ver la fuente de su energía sexual como algo más antiguo, primordial, incluso etérea. Parece que, como resultado de su negación intensa, tenía Kalmakoff - en el sentido freudiano puro - desplazado su deseo en imágenes que sublimaban su erotismo totalmente. Puesto que la fuente de su deseo era, a la vez, paradisíaco y demoníaco, las mujeres en sus pinturas también asumieron el doble aspecto de  etérea y malévola. Es esta cualidad la que hace de su obra tan singular: poblado por figuras femeninas que son igualmente diosas y tentadoras.

Sin duda, este es el caso de Las Mujeres de Nadjis, una de las primeras obras que poseemos. Las dos figuras femeninas ondulan con un erotismo innegable. Y, sin embargo, trece caras ennegrecidas flotan entre ellas, como si fuesen la manifestación de la aterradora fuente de su erotismo. Un examen más detenido revela que estos rostros oscuros con llameante cabello pueden ser de hecho las cabezas de numerosas serpientes, cuyos cuerpos escalados forman patrones rítmicos de color a lo largo del fondo. 





Ella monta un pavo real - 1910

En un trabajo similar en el mismo período, " Ella monta un pavo real -1910 " he aquí una mujer negra de perfil en rodillas que monta la forma de un pavo real egipcio estilizado. Una vez más, el fondo se carga con patrones rítmicos de color.

------------


MIR ISKOUSSTVA
Y LA FUENTE DE LA VIDA




Monstuo en genuflexión - 1910

Al ver las primeras obras que se perdieron posteriormente, Mgebrov también comentó sobre las misteriosas formas orgánicas que se agolpaban en los antecedentes: ". Sus obras eran visualmente impresionante, lo que no correspondía a ninguna escuela o estilo conocido, él representó vagas formas orgánicas, como si quisiera ampliar un millón de veces la primera forma de vida celular desde el inicio del universo. Y estas moléculas sinuosas y onduladas movidas en los modelos más extraordinarios, a veces cayendo en los diseños de remolino. Los temas de las pinturas son a menudo difíciles de distinguir, pero aún se podía sentir el intenso deseo de comprender, más allá de la fantasía y el capricho, la esencia de algo malo. "    En las pinturas más antiguas que tenemos, aún podemos ver en el fondo de esos "patrones extraordinarios ' que Mgebrov describe. Esto es aún más evidente en su oscuro trabajo "Monster genuflexión " de 1910.




Carro con ocho caballos - 1911

¿Es posible que Kalmakoff utilizó una forma de frottage, creando una mezcla de formas arremolinadas, en la que luego "vio" ciertas figuras, y posteriormente eligió y refinalizó con su pincel? Un pintor compañero comentó una vez que Kalmakoff "... miraba al sol directamente." 

¿Esta visión cegadora pudo producir el inusual trabajo " Chariot con ocho caballos " (1911), que representa a Helios en su carro solar? 

La otra característica inmediatamente reconocible en sus primeras obras es la fuerte línea estilizada de las siluetas de las figuras, de lo contrario se pierden en las ondas de color intenso. Como Martin du Nord ha señalado, los primeros trabajos Kalmakoff estuvieron marcados por rasgos estilísticos derivados del movimiento Mir Iskousstva. Al igual que los pintores secesionistas de Viena y Munich (Klimt, Von Stück) o del estilo Art Nouveau en París y Londres ( Mucha, Beardsley ), los pintores Mir Iskousstva de San Petersburgo ( Vroubel, Bakst, Somov ) puso mucho énfasis en la línea, y fuertes colores del diseño, a menudo reforzado con patrones bizantinos y espirales de oro. Mir Iskousstva significa literalmente «mundo del arte». El movimiento surgió en oposición directa al realismo democrático tan frecuente en la pintura eslava de la época. Renunciando a las representaciones realistas de la vida campesina rusa, siguieron el grito de Oscar Wilde de "el arte por el arte", la celebración de visiones decadentes de quimera y mujeres fatales en el estilo remolino lineal de Art Nouveau y Jugendstil. Muchos de los artistas de este movimiento de fin de siglo - Bakst, Benois, Kalmakoff - también trabajaron para el teatro. A través de Diaghilev y sus Ballets Rusos, las obras de Mir Iskousstva llegaron a ser conocidas en París y, en 1909, en todo el mundo.       Según René Guerra, un coleccionista de Kalmakoff: "Kalmakoff tenía en común con este grupo un pronunciado gusto por la decoración teatral, gráfica .. arte e incluso la ilustración de libros. Compartió con ellos un cierto esteticismo en su propio estilo, durante este tiempo, fue trasladado por el mismo espíritu que animó a todas sus obras:. un enfoque sumamente decorativo con colores violentos, ricas texturas y la estilización pronunciada "

Martin du Nord ha dividido la obra de Kalmakoff en tres períodos. En su primer período (1908 - 1913) su participación estilística con la Mir Iskousstva movimiento es evidente. En el segundo período (1913 - 1928), du Nord observa que los colores pierdan su intensidad, y la sinuosidad decorativa en su línea se hace menos pronunciada. Mientras tanto, las figuras ( que antes eran más bien planas ) obtienen una mayor sensación de volumen y relieve. Finalmente, en el tercer período, (1928 - 1955), su estilo secesionista adquiere nuevas fuerzas. Aunque brevemente tentado por temas prerrafaelistas  y sus colores, se adhiere plenamente el Renacimiento italiano, y crea obras con cualidades cada vez más académicas.

------------ 



KALMAKOFF Y EL TEATRO




 Decorado - La Cripta Serpentina - 1910

La asociación con el movimiento Mir Iskousstva de Kalmakoff surgió a través de su amor por el teatro. Aunque era un misántropo notorio que rara vez salía de su casa, Kalmakoff tenía una única excepción. Como Mgebrov recuerda: "Nunca lo vi salir de su casa, excepto para ir al teatro ... Kalmakoff amaba el teatro con una pasión loca. 

A través de su amistad con Nicolai Evreinoff ( formado en la Escuela Imperial de Derecho ) , Kalamkoff comenzó a trabajar para el teatro - el diseño de vestuario y decorados que muchos de sus contemporáneos podían recordar con precisión años después.

De sus muchos decorados, al menos dos diseños han llegado hasta nosotros: La Cripta Serpentine de c. 1910 ( un pastel co-firmado por el Mir Iskousstva pintor Bakst ) y el dormitorio de 1914 ( técnica mixta ). Ambos revelan una fascinación Giger-esque con formas entrelazadas serpentinas, muy inspirada en los tejidos de los países nórdicos y celtas. 

De 1908 a 1911, Kalmakoff diseñó los decorados y el vestuario de numerosas obras de teatro, incluyendo The Masque Negro, Judith, Anathema y El Gran Duque de Moscú. Años más tarde, en 1922, mientras vivía en Revel, expuso algunas de ellas. El catálogo menciona muchos otros diseños perdido desde hace tiempo: Danzas de la Noche, Cliperic, el poder del amor y la magia e incluso una puesta en escena de marionetas. Sólo el recuerdo de ciertos espectadores recuerda su efecto abrumador. 

Como recordaba Mgebrov :  "para The Masque Negro, un macabro baile con figuras enmascaradas, creó el interior de un castillo en toda su oscura majestad. Los trajes eran los más grandes que he  visto alguna vez en un escenario. Evoca una visión de ensueño de la Edad Media, con sus grandes salas. El área de decoración se amplió a las mayores dimensiones posibles, incluso volando hasta el techo mismo del teatro, mientras tanto, todo parecía en tonos oscuros y sombríos , provocando largos pasajes en la arquitectura para terminar en la oscuridad fantasmal.  En sus máscaras, las figuras encapuchadas bailaban una macabra farándula , asustando y aterrorizando a los huéspedes en el vestíbulo. "

Pero, de todas sus escenografías, una causó un escándalo absoluto - para ser recordado por la intelectualidad de San Petersburgo durante las próximas décadas -  Kalmakoff diseño para la obra Salomé de Oscar Wilde. Fue, de hecho, su primer diseño para el teatro. En pocos meses, Evreinoff lamentó haber introducido Kalmakoff al Ancien Théâtre y su estrella principal, Vera Kommissarjevsky. Esta popular actriz de St Petersburg, de inmediato se enamoró de los diseños del artista. También se enamoró de Kalmakoff. 

Inspirado por esta relación, creó un escenario para el primer acto que incluso para Evreinoff resultó ser demasiado audaz y avanzado para el público ruso. El director quería clausurar la obra, pero Kommissarjevsky defendió a su nuevo amante. Durante los ensayos abiertos, la sensación se extendió a través de todo San Petersburgo, que llegó en masa a saludar el trabajo en curso con una mezcla de silbidos y aplausos. Por último, en la noche del estreno, el Santo Sínodo de la Iglesia lo cerró. 

¿Qué era tan provactivo en el diseño de Kalmakoff? En el primer acto, es el escenario que Wilde lo llama, el "templo del amor". Para ello, Kalmakoff diseñó un templo de grandes proporciones, con base en el sexo de una mujer. "Fue increíblemente hermoso"

Anna, la esposa  de Evreinoff, recordaba cincuenta años después: "Tomó como punto de partida el sexo de una mujer, pero se sentía como si realmente estuviera en un templo."  
En una escritura sobre el evento en 1913, Evreinoff lucha para capturar el efecto que Kalmakoff había provocado: "En la Salome de Kalmakoff, como en Wilde, todo era exagerado artísticamente, como si inflado por el genio del creador ... ¿cómo puedo dar la impresión de su Salome ¿Alguna vez ha tenido un sueño aterrador donde los objetos más cotidianos adquieren de repente un significado cargado extrañamente ? Uno se siente atormentado por esas extraordinarias imágenes que asustan y te embrujan con su belleza hasta ahora no vista. "  




 Diseño de vestuario - Salomé - 1908

Por desgracia, todos los diseños de Salomé se han perdido, y el único dibujo que tiene llegado hasta nosotros es uno de sus diseños de vestuario para la misma Salome : Salomé, diseño de vestuario (1908). Sin embargo, incluso aquí, en la primera obra que sobrevive de la mano del artista, un erotismo intenso emana de la semi-desnuda figura de Salomé. 
      
En una entrevista, Anna Evreinoff comentó "En cuanto al sexo ... estaba obsesionado por el. Esto es la fuerza motriz de todo el mundo, y él era el sumo sacerdote. El nunca aceptó el mundo exterior, y se distanció de él para sumergirse en su propio mundo de la sexualidad -. un mundo que supera todas las limitaciones humanas "  

Después que el Sínodo cerró la producción, el efecto sobre Vera Kommissarjevsky fue catastrófico. La amante de Kalmakoff perdió todo su dinero y se vio obligada a ir de gira por las provincias para recuperar algunas de sus pérdidas. Murió un año después, lejos de San Petersburgo. "Ella murió de una manera muy trágica", recuerda Anna Evreinoff, "la producción de Salomé la puso en su tumba."




 

Ex-libris para N. Teffi - 1910

A lo largo de la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa, Kalmakoff permaneció en San Petersburgo. Aparte de su pintura y diseños para el escenario, él también dibujó las placas "ex-libris" y cubiertas de libros. Algunos de ellos han sido recuperados, revelando una dimensión exótica y erótica como en su obra. Aquí, la flora y la fauna silvestres abundan - leopardos, serpientes, pavos reales y los árboles de palma.

-------------


LA MUJER NEGRA




Negra - 1929 ( Négresse )

Estaba obsesionado por la femme noire - la mujer negra,  primitiva y primordial - que es más que evidente en " Négresse " (1929), 



 Tres negras postrándose ante una serpiente - 1921- ilustración para la Carpa



 Tres Mujeres Negras - 1912

Así como la ilustración para La Carpa (1921) y su obra temprana Tres Mujeres negras (1912) 




 Autorretrato con mujer negra - 1923

Como para subrayar el contraste entre el "hombre civilizado" y "mujer primordial", Kalmakoff se presentó como un aristócrata francés presumido con el desnudo de una esclava negra. Ella parece a la vez divertida y excitada por el contacto del blanco dedo sobre su piel oscura, pero en el acto de Kalmakoff se refleja cierto temor y desafección ( Autorretrato con una mujer Negra 1923).  Al mismo tiempo que Kalmakoff pintó este autorretrato, los parisinos saludaban a Jospehine Baker por su desnudo total en La Revue Nègre. Pero, dada su forma barroca de vestir, también puede Kalmakoff estar tratando de evocar a Jean-Jacques Rousseau y su Discurso sobre la desigualdad.

Aquí, el 'buen salvaje' es elogiado y preferido a la decadencia del hombre civilizado. ( De hecho, los pasajes de este libro, sobre todo en el sexo y salvajes, se leen como un manifiesto para el trabajo de Kalmakoff: "Con solo el instinto, el hombre tenía todo lo que necesitaba para vivir en el estado de naturaleza, en la razón cultivada, no tiene más que lo que él requiere para vivir en sociedad ... Entre las pasiones que agitan el corazón humano, hay un ardiente ímpetu que hace el sexo necesario para con el otro, una pasión terrible que ... en su furor, parece calculada para destruir a la raza humana que está destinada a preservar ". - Rousseau)    




Autorretrato como Luis XIV - 1923

En relación con esta pintura hay otro autorretrato, fechado el mismo año, que revela una vez más a Kalmakoff como un aristócrata con peluca ( Autorretrato como Louis XIV - 1923). Sin embargo, esta vez sostiene en su mano una planta extrañamente exótica, al parecer venenosa, cuya flor triangular sin duda parece el sexo de la mujer. La misoginia, de  Kalmakoff se revela como siempre, se extiende incluso al mundo de las plantas.       La representación inusual de los ojos en relación con este retrato - ojos de serpiente - es una característica recurrente que se encuentra en muchas de las obras de Kalmakoff. La misma serpiente, como un símbolo sexual de la muerte y el renacimiento, es un motivo obsesivo - ondulando su camino a través de la mayor parte del laberinto de Kalmakoff.

--------------


ESTILOS VISIONARIOS
TRASCENDIENDO ÉPOCAS




 El Potal de los Sueños - 1922 ( The Gateway to Dreams )

Si Kalmakoff parecía fascinado por África en ese periodo, su interés también se extendió a otros lugares exóticos. Ilustraciones tales como The Gateway to Dreams (1922) y del Manto de rosas (1912) no son simplemente de inspiración del lápiz y tintas de Beardsley. Los desnudos femeninos en estas obras reflejan el estilo más antiguo del arte micénico.




 Manto de Rosas - 1912




Bebidas Espiritosas para el Hogar - 1927

Lo mismo puede decirse de su pintura " Bebidas espirituosas para el hogar " (1927), 
que están claramente inspirada en la antigua Grecia. 




La Travesia del Inframundo - 1911

Pero su exotismo no termina allí, dos obras muy tempranas, " La travesía del Inframundo " (1911) y La Primavera, (1911) son exploraciones en el antiguo Egipto. El primero retrata el viaje al otro mundo de la barca solar a través del cuerpo de Nut, el cielo nocturno. Este último, " La Primavera" presenta (una vez más) una mujer de negro que está íntimamente conectada con la fuente de toda la creación paradisíaca. 



La Primavera - 1911




La Mujer y Buda - 1924

Aunque Tres Mujeres Negras (1912, mencionado anteriormente) recuerda figuras hindúes y posturas, su Mujer y Buda (1924) muestra la influencia del arte budista en el estilo japonés. Es esta fascinación por los temas y los estilos de las culturas antiguas que hacen el trabajo de Kalmakoff trascienda su propia época y llege a ser verdaderamente visionario. Kalmakoff comienza en el estilo de su tiempo Jugendstil o Art Nouveau, pero - como Moreau, Delville y Fuchs - se desarrolla más allá de ella, lo que permite que su línea tenga eco y resonancia con los diferentes estilos de las culturas más distantes.Yasí, lo que comparte Kalmakoff con Moreau, Delville y Fuchs no es sólo una afición por el art nouveau de su tiempo, sino algo mucho más profundamente interfusionado. 




Ángel caido - 1913

Un boceto como su " Ángel Caído " ( 1913,) revela una delicada línea de trabajo que se extiende a otras culturas ya a lo largo de los siglos. La expresión de linear el rostro del ángel, me atrevo a decir que es atemporal. 

( Una nota personal:. una y otra vez al ver las imágenes Kalmakoff, me ha recordado el trabajo de Ernst Fuchs - Y sin embargo, no hay duda de la influencia directa de Rather. , cada uno de ellos ha mirado en el mismo pozo oscuro de visiones, y representa la abundancia resultante de estilos, colores y formas. Fuchs sigue siendo, para mí, el más grande artista visionario del siglo. Y, sin embargo, si el Arte Visionario del siglo XX tiene una padre no reconocido y precursor, sin duda es Kalmakoff, él es, en muchos sentidos, el Van Gogh de los videntes -.. reconocido demasiado tarde, y sólo después de su muerte) 

Otra cualidad que comparte Kalmakoff con artistas visionarios es su asombroso sentido del color. Los amarillos y violetas contrastantes en Tres Mujeres Negras (1912), o la profusión de fuego de color naranja, amarillos y rojos de la Mujer de Nadjis (1911) manifiesta una verdadera inmersión del artista en estados visionarios, con su cascada de resultantes colores brillantes. Su línea, el color y, sobre todo, los temas de su obra traicionan su capacidad única de "ver lo invisible" y lo hacen con éxito en la visión.

Es por esta razón por la que Philippe Jullian malinterpreta seriamente el trabajo de Kalmakoff. En su libro " Soñadores Integrales Decadentes ", Jullian es uno de los pocos cronistas de fin de siglo. El simbolismo de incluir Kalmakoff en medio de Klimt, Delville, Moreau y tantos otros. Y, sin embargo, ve a Kalmakoff como " artista tardío decadente, trabajando de una manera que está muy por detrás de los tiempos. Aparte de una reproducción de Astarte ( mal etiquetado Chimera ), Jullian menciona a Kalmakoff exactamente dos veces: "Mucho más tarde, un emigrado ruso llamado Kalmakoff pintaba ángeles y princesas bizantinas, pero en un estilo más sugerente del Casino de París que de Santa Sofía." Y: "No fueron los últimos que siguieron tarde las quimeras en este siglo ... Estos pintores ahora nos parecen, en efecto, como muy similares entre las prostitutas, repulsivo para todos excepto para aquellos cuyos deseos saben exactamente cómo satisfacer . Ya hemos conocido el inquietante Alastair y el Kalmakoff bizantino. " -  No son exactamente palabras halagadoras. 

Pero Kalmakoff en última instancia, debe ser visto, no como un artista decadente finales del siglo 19, sino como un proto-Visionario del siglo 20. Sólo un paso significativo de tiempo nos dará esa perspectiva, y luego las obras de Kalmakoff  pueden ser finalmente reivindicadas.

-------------



GUERRA, REVOLUCIÓN Y EXILIO

Aunque Kalmakoff prefirió una existencia enclaustrada con el fin de perseguir sus visiones atemporales, no podía dejar de responder a los estragos de la guerra que estaban rompiendo todo a su alrededor. Una de las respuestas fue producir una serie de cuatro litografías. Los beneficios obtenidos por la venta de estas postales fueron donados a la Sociedad de San Eugenia, la versión rusa de la Cruz Roja.





 La Ciudad Dormida - 1915

Estas cuatro imágenes poseen una belleza innegable. El ángel de " La Ciudad Dormida " (1915) hace un llamamiento a los habitantes al despertar. Pero, en " La luz de la Tarde " (1915 ), tres ángeles miran desde un cielo rojo llameante con inquietud y desarmados, el espectáculo. Luego, en " La Cólera Celeste " (1915 ), otro ángel vuela por el cielo con la ciudad a sus pies en ruinas y llamas, sin embargo, apunta su espada hacia la victoria en el futuro. 




La Luz de la Tarde - 1915


La Cólera Celeste - 1915


Paraiso - 1915

 En la última de la serie, llamado Paraíso (1915), un ángel único sonríe como si pasease a través del paraíso prometido. 
      



La Ira de la Guerra - 1917

Si, en 1915, la visión de Kalmakoff de la guerra es patriótica y de esperanza, en 1917 este punto de vista se ha deteriorado considerablemente. Su pintura The Wrath of War - La Ira de la Guerra (1917) manifiesta, sin duda, su rechazo del patriotismo y el reconocimiento de las brutalidades de la guerra. En medio de un páramo de humo y ruinas en llamas, un criatura con forma de cañón tiene su fuego mortal. Tiene las patas de un insecto y dos ojos encima de su boca, mientras sus crías amenazantes se acurrucan justo debajo del cañón. Finalmente, en primer plano, una bomba encendida está a punto de explotar. Esta declaración contra la guerra es fantástico y de pesadilla, una forma de surrealismo antes de tiempo. 

Si los estragos de la guerra no fuera suficiente, el estallido de la Revolución en 1917 finalmente envía a Kalmakoff al extranjero. No dejó inmediatamente Rusia, deteniéndose en San Petersburgo hasta principios de la década de 1920. Pero, cuando se fue, se fue para no volver jamás. A pesar de que llevo sus lienzos y pinturas con él, el misántropo dejó a su esposa e hijos. "Él abandonó a su familia en Rusia", recordó Ivanoff, un conocido de Kalmakoff en su etapa parisina. "Pero, para llevar a cabo grandes obras, un verdadero artista debe permanecer solitario? "





La Pareja de Novios - 1922

Kalmakoff dejó para la posteridad un lienzo que refleja sus opiniones personales sobre el matrimonio. Amargo, sarcástico, una parodia a lo sumo, La Pareja de Novios (1922) es tal vez el más negro del retrato de boda nunca ejecutado. Muestra una pareja en el altar con sus velas de boda en la mano - él, un cadáver baboso con ojos lascivos, ella, un montón de carne tan grande que sus mejillas y la boca parecen más como el culo y el ano. La pintura fue ejecutada en la misma época que dejó a su esposa. "Todo era cosa del pasado", recordó su última íntima la señora S, " un pasado del que nunca habló en absoluto."  

En un primer momento , Kalmakoff pasó varios años en los Estados bálticos, situándose en torno a las fronteras de Rusia como si la esperanza de que la revolución de alguna manera haría estallar una y finalmente pudiese regresar a su casa. Abril de 1922, en la ciudad de Reval Esthonian, montó una exposición de sus decorados teatrales. Un año más tarde, tuvo otra exposición a Strindberg en Helsingfors. Pero por lo demás, se quedó solitario y retraído, pintando algunos de los peores trabajos de su obra.

En 1924 dejó Estonia por la Riviera. Sin embargo, esta estancia fue interrumpida después que Kalmakoff mató en duelo al marido de su amante. "Siempre estábamos juntos" recordó Ivanoff, "él nunca mencionó sus relaciones con las mujeres. Y, sin embargo, me enteré de que había luchado a menudo en duelos, y había matado incluso lal marido de una de sus conquistas. "  El pañuelo manchado de sangre del duelo fue encontrado entre sus pertenencias personales después de su muerte. 

El artista huyó hacia el norte de Francia. Al principio, es posible que se hubiese asentado en Bruselas, dada su exposición allí en Galerie Le Roy , en junio de 1924 ( ciento treinta y tres-obras fueron exhibidas - la mayoría se han perdido ). Pero pronto encontró su camino a París, instalándose en el hotel de la rue la Rochefoucault en las fronteras de Pigalle y Montmartre, cerca del Musée Gustave Moreau. Tenía cincuenta y tres años de edad, y permanecería allí durante los próximos veinte y un años.

-------------



EL DIABLO, LA OSCURIDAD Y LA MUJER FATAL

Cuando Kalmakoff llegó a París en 1926, tenía entre sus pertenencias algunas de sus obras más oscuras y reveladores. Su fascinación con el diablo continuó, como lo atestigua Satanás 1923  y La Misa Negra 1924 ( ninguna imagen disponible) en la que el celebrante de la misa desnudo, bajo la protección de los signos mágicos realiza ciertos intentos para dominar las fuerzas él ha conjurado. 




La Víctima - sin fecha

Uno de las más conmovedoras de sus imágenes, La Víctima (sin fecha) representa una figura desnuda delante de una fuente de luz cegadora. Sus brazos están extendidos de una manera similar a Cristo. Pero esta figura como un crucificado esta velada contra el negro de la sombra de una mujer que obstruye la fuente de luminiscencia cegadora. Sólo en su silueta esbelta podemos discernir dos  manos y una cascada de pelo largo que fluye. Es la expresión más honesta y directa de Kalmakoff de sufrimiento. La mujer vive en la fuente de la luz creativa, pero también la oculta con su oscuridad. Toda una serie de obras misóginas la siguieron. 




La Mujer de Satán - 1919

En La Mujer de Satán ( 1919 ), la mujer está claramente identificada como el mal. Desafiante, se pone de pie en la boca del infierno, con los brazos cruzados, mientras que los cuernos de Hades flanquean las alas enganchado su cuerpo desnudo a cada lado. El velo de la viuda de negro oculta su expresión, aunque fieros ojos penetrantes miran con rencor y resentimiento. Más misteriosamente, una raya negra, ya sea desde el velo o el pelo, desciende la longitud de su cuerpo, ocultando su sexo, y llegando hasta sus pies. En el fondo el fuego de las llamas rojas de la sangre del Infierno.




La Aparición - sin fecha

En La Aparición, exuberantes cortinas de brocado se dejan de lado para revelar la forma de un desnudo de una amante misteriosa. Su cara está ensombrecida por la oscuridad, y sólo dos ojos brillantes revelan que esta figura es, en efecto,  un escultural ser vivo. El conjunto constituye una visión de pesadilla de la mujer como, al mismo tiempo, deseosa y repulsiva.       



Medusa - 1924

Finalmente, en Medusa (1924), una imagen de lo femenino aparece en la cual todas las cualidades eróticas son completamente eliminadas. La cara blanca fantasmal, como una máscara, parece más muerta que viva. Sólo las serpientes ondulantes en el pelo traicionan los signos de vitalidad. Más preocupante aún son los dos ojos ennegrecidos como hendiduras verticales en la máscara. Dada la obsesión de la artista con el sexo de una mujer, no es exagerado pensar que ha prestado sus párpados verticalmente para evocar la idea de ojos vaginales - que esta mujer ve el mundo a través de su sexo - una idea demente y atormentada, sin duda.





Amazonas - sin fecha

Un retrato diferente y revelador sobre todo lo femenino es ofrecido por el " Amazonas " (sin fecha). Aunque desnudas, las dos mujeres están con casco y armadura - guerreras musculosas que marchan con poder en su paso. En el escudo de una, el rostro de la Medusa aparece de nuevo. La mujer como Virago? ¿Fue esta representación una amenazante imagen de la mujer?

---------------


UNA SERIE DE INQUIETANTES AUTORRETRATOS




Autorretrato como Juan el Bautista - 1921

Como vueltas en un laberinto, esta imagen nos lleva a especulaciones más sobre el carácter de Kalmakoff. ¿Se sentía amenazado por las mujeres? Y, teniendo en cuenta su Aesthete dandismo y la fascinación por Oscar Wilde - Se amenazó hasta el punto de convertirse en homosexual? Dada la serie de autorretratos que pintó durante estos años, la cuestión sin duda debe ser abordada. 

Ya en " Autorretrato como Luis XIV " (1923) y Autorretrato con una mujer Negro (1923), su aspecto fatuo nos lleva a preguntarnos . En el momento en que llegamos a " Autorretrato como Juan el Bautista ", nos queda poca duda: esta imagen ofrece un reflejo de sus propias cualidades afeminadas - su cadera suavemente redondeado, la lánguida posición de las manos, y una mirada más femenina e insinuadora en sus ojos. Lo más extraño de todo, su sexo está oculto por un velo negro, pero el fondo está lleno de rosas y un arco - símbolos freudianos  por excelencia del sexo femenino.





Pas de Deux - 1925

Más extraño aún es el Pas de Deux (1925), en el que hay dos figuras de la danza con pelucas, tacones y trajes de ballet cursi. La figura de la izquierda es claramente femenina, mientras que el de la derecha - en una observación más cercana - es el Kalmakoff mismo. Lo femenino ha superado a su personalidad tan completamente que tenemos dificultades a distinguir la diferencia entre él y su pareja femenina. Ambos danzan de la misma manera, con las manos en la misma posición ( rematado, una vez más, con las rosas). Echan un vistazo al otro como si se mirasen en un espejo. 




Narciso - 1922

Esto es lo que hace su autorretrato Narciso de 1922, de manera inquietante. En un estilo claramente inspirado por Rossetti, el artista ha representado a sí mismo una vez más con los pechos redondeados, caderas arqueadas y los rojos rizos de una doncella prerrafaelista. El tema de la pintura nos recuerda inmediatamente a Hermafrodito. 

Según lo dicho en Metamorfosis de Ovidio, el hijo de Hermes y Afrodita, una vez lejos de su casa y deslumbrado por su propio reflejo en un charco. La náyade de esa piscina, una joven atractiva, también se deslumbra por su bella imagen en el agua. Esto, al parecer, es el momento Kalmakoff ha capturado en su obra.


Pero la historia continúa. Cuando el joven se quitó la ropa y se zambulló en la piscina, la imágen se apoderó de él y se aferró a él con un abrazo amoroso. El joven trató de escapar, pero cuanto más se esforzaba en contra de ella, más se aferraba a él. En el miedo de perderlo para siempre, la náyade llamó en voz alta " Que los dioses lo ordenan que nunca seremos separados en el tiempo futuro, ni tú de mí, ni yo de ti." Y, como Ovidio dice, "los Dioses aceptaron su oración. Los dos cuerpos se unieron entrelazados, y se hicieron uno." A partir de entonces, fue llamado Hermafrodita, porque él tenía las características tanto del hombre como de la mujer. (Ovidio, Metamorfosis) 

Esta pintura simboliza el intento final de Kalmakoff para representar una imagen de sí mismo en cuanto a masculino y femenino - que se desean ellos tanto como uno solo y unido dentro de su propia persona. Que és esta completa locura por su parte? El orgullo, la vanidad, el narcisismo? El laberinto da un giro extraño. 

Los catalogadores de esta pintura no vieron Hermafrodita para el título de la obra, pero sí Narciso. Y, ciertamente, no pueden ser culpados. Los dos cuentos de Ovidio están tan cerca, que se podría confundir uno con el otro. De acuerdo, una vez más, Metamorfosis, Narciso, nació un joven muy hermoso. Tiresias profetizó que iba a vivir una vida larga, siempre "que no llegase a conocerse a sí mismo." Mientras que Narciso rechazó el amor ofrecido por otros, fue condenado a enamorarse de su propio reflejo en un charco. Él se lamentó: "!. Yo soy tú y me doy cuenta, mi reflexión no me engaña, arde con el amor a mí mismo" . Una vez más, llegamos a la imagen que Kalmkoff ha representado en su obra, pero esta historia termina de una diferente manera. Narciso, por desgracia, no pudo abrazar a su imagen acuosa. No pudo soportar la separación, finalmente proclamó "Tal como es, nosotros dos que somos uno en la vida, debemos morir juntos!" Y así desapareció de la orilla del estanque, se ahogó en su propio reflejo. Todo lo que quedaba era una flor de color amarillo con un círculo de pétalos de color blanco en el centro - la flor de narciso. (Ovidio, Metamorfosis )

Cuando estos dos cuentos se toman juntos, una imagen más aterradora de la artista aparece. ¿Era homosexual? Es poco probable. Ninguno de sus contemporáneos comentó sobre ello (aunque, hay que reconocer, que la homosexualidad era aún un tabú tácito en ese momento). Travesti? Ni siquiera. Más bien, él era bisexual. No en su conducta externa, sino a través de la imagen interna de sí mismo que se plantea en los autorretratos. Para combinar los dos sexos dentro de uno mismo es - psicológico - una de las más peligrosas de las empresas. Él está predestinado, como Narciso, a una auto-amor tan intenso que sólo puede terminar en la muerte. 

En Autorretrato como Narciso (o Hermafrodito), el artista decadente está para siempre congelado en esta pose - mirando a sí mismo con nostalgia, hombre y femenino, además y sin embargo, el deseo de ser uno, sabiendo que su unión sólo traería trágicas autodestrucción.

-----------



DIOS SIEMPRE MUERTO Y RESUCITADO




Autorretrato como Adonis - 1924

¿Hizo algo Kalmakoff para salir de este abismo sin esperanza? Su siguiente cuadro indica que no lo hizo. " Autorretrato como Adonis " (c. 1924) muestra al artista una vez más, pero ahora muerto y llorado por una larga fila de mujeres. El esteta había caído realmente en la piscina del narcisista de la auto-destrucción. Adonis está en decúbito supino sobre la tumba, su cuerpo esbelto y blanco, con el pelo rizado de color rojo. Las mujeres, que podemos imaginar como sus amantes, le lloran con los ojos cerrados y la frente abatida. Tocadas con un velo negro de la cabeza a los pies, es un desfile de esbeltas figuras desnudas junto al sepulcro, llevando aceite de perfume para ungir el cuerpo y paños para la mortaja. 

Para el mito de Adonis, debemos volver una vez más a Ovidio. Y aquí nos enteramos de que este joven amante de Venus murió mientras cazaba un jabalí. En efecto, la bestia salvaje " hundió sus dientes profundamente en su ingle,  hiriéndolo de muerte." Al oír su grito de muerte, Venus voló al cuerpo de su amante y lloró en voz alta, gritando: " Habrá una muestra de mi  eterno dolor, Adonis. Cada año, la escena de tu muerte será escenificada de nuevo, y se lamentaba a gritos  ... " ( Ovidio, Metamorfosis ) 
Cuenta Ovidio en la versión romana tardía de una historia más antigua. El dios Adonis había sido adorado en Siria desde hacía miles de años, donde se le conoce también como Baal en Fenicia (ambos Baal y Adonis significan "Señor"). Como Luciano nos dice en La Diosa Siria, Adonis era el amante de Astarte (Venus en fenicio). En su templo, los adoradores de Adonis se castraban a sí mismos - como un sacrificio al dios, al recordar su muerte por el jabalí que había enterrado sus colmillos en su ingle. Cada año, las sacerdotisas y las personas lamentaban ritualmente la muerte de Adonis.

Según Luciano, "Como un monumento a su sufrimiento, cada año se golpeaban el pecho, lloraban y celebraban los ritos. En toda la tierra se realizaban lamentaciones solemnes. Cuando cesaban sus pechos de latir y llorar, hacian su primer sacrificio a Adonis como a una persona muerta, pero luego, al día siguiente, proclaman que él vivía y cuidaban de nuevo ".. ( Luciano,  Dea Syria - la diosa siria ) 

Adonis fue, de hecho, un " Dios que siempre muere y resucita " ', como Osiris en Egipto, Sumeria y Damuzi en Baal de Fenicia . Su muerte fue programada con el cambio de las estaciones, y su resurrección ocurrió con el crecimiento de nuevos cultivos en la temporada de lluvias. 






Astarté - 1926

Estaba Kalmakoff familiarizado con la mitología del Cercano Oriente? Su Astarté de 1926 indica que había leído sin duda Luciano. Y su Atlas y las Hespérides (1911) incluye la figura de una mujer  que es "la defensa de sus pechos" - la única característica iconográfica de las estatuas de Astarté. Este motivo iconográfico incluso se repiten en su obra posterior, Den la Mujer (1940).



Atlas y las Hespérides - 1911



Las Mujeres Den - 1940

Pero, la fuente de gran parte de las imágenes de Kalmakoff también se pueden encontrar en Oscar Wilde. Sabemos que Kalmakoff citó a Wilde en el catálogo de 1928 para su exposición en la Galerie Charpentier, Paris ( "Es el espectador, y no la vida, que refleja el  verdadero arte" ). Y que sus diseños para la Salomé de Wilde también le pudieron haber llevado a su Autorretrato como Juan el Bautista , ya que Salomé concibe un amor trágico para Bautista en esta pieza. 

Pero más aún, en retrato de Dorian Gray de Wilde, Basilio el artista dice a Lord Henry que su retrato de Dorian es más que un autorretrato. A lo que Lord Henry le responde: "Demasiado hay de ti mismo en él, doy mi palabra Basil, no sabía que fueras tan vanidoso, y yo realmente no veo ningún parecido entre tí, con tu rostro duro y negro pelo como el carbón, y este joven Adonis, que parece como si estuviera hecho de márfil y pétalos de rosa. Por que, mi querido Basil, él es un narciso, y tú, - por supuesto, tienes una expresión intelectual ". (Oscar Wilde, El retrato de Dorian Gray y otros escritos ), En un pasaje, Wilde menciona dos de sus obsesiones, que también parecían inspirar obras Kalmakoff: La tragedia de Narciso y Adonis siempre muere y resucita





Corona de Espinas - 1922

En los recodos más íntimos del laberinto Kalmakoff, llegamos a una imagen de su propia muerte y resurrección, pintado en un punto de inflexión en su vida, cuando él había dejado detrás Rusia y se instaló en Francia. Y es en este contexto que debemos entender una de sus obras más poderosas, La Corona de Espinas ( 1922 ). Una vez más se nos presenta un autorretrato del artista, pero ahora como " la muerte y resurrección del Dios del cristianismo ". Con gotas de sangre en su frente y sus mejillas mojadas por las lágrimas. Pero ¿qué es esta expresión de total asombro y miedo?

Como todos los otros autorretratos, este cuadro sirve como un espejo - pero un espejo en el que Kalmakoff se puede mirar directamente, para contemplar su propia muerte y la esperanza de la resurrección con los ojos muy abiertos de terror y fascinación. Lo que es más, debido a su participación en el movimiento Skoptzy, esta pintura puede incluso reflejar su creencia de que Cristo se había revelado en la carne propia de Kalmakoff. Si es así, entonces sus ideales espirituales le habían echado del ascetismo extremo al erotismo, de la misoginia radical al narcisismo afeminado, y de satanismo a los delirios de divinidad.

-------------


PARÍS REVIVAL





Toque de Trompeta Misterioso - 1924

El tema de la resurrección y la re-emergencia continúa con su " Toque de Trompeta Misterioso " (1924).  Donde un Centauro alado salta a través de un abismo enorme, sonando una trompeta llamando para despertar a las figuras que se hallan debajo dormidas. Y, desde el abismo espiral nublado, el sol de un nuevo día se levanta. El renacimiento de Kalmakoff se anuncia triunfalmente. 

Desde su habitación en la rue de la Rochefoucauld, el quimérico artista había comenzado una nueva vida. Evitaba la asociación con el círculo de rusos emigrados que vivían en París, rechazando todas las invitaciones para sus veladas. En una de sus cartas que quedan, escribe ofreciendo sus excusas: "Mi querido amigo, será imposible para mí verte mañana tarde, debido a mi aversión hacia todas las cosas terribles de Rusia ... " Durante años, el conserje del hotel pensó que era italiano. 




Autorretrato - 1924

El Autorretrato de 1924 ofrece una mirada directa a los ojos del hombre de cincuenta y un años. "Después de ver las pinturas de Kalmakoff " Mgebrov escribió, "se podría pensar que era muy inusual. No hay nada como él. En la vida, Kalmakoff siempre fue un hombre decente, tranquilo y elegante, un maestro de sí mismo. Él era bastante pequeño. .. Tenía una frente alta enmarcada por escaso pelo rizado. Sus facciones plácidas y el bigote pequeño 'a la española' le recordó a los pintores renacentistas ".  Por el contrario, Anna Evreinoff recordó "Era sombrío, taciturno y distante - un carácter trágico. Vivió siempre en sus pensamientos y visiones. Estos, los puso en sus lienzos, pero el resto del mundo era algo que él nunca aceptó. "
A pesar de su distancia de la comunidad rusa, Kalmakoff renovó su asociación con los Evreinoffs cuando llegó a París un año después. Evreinoff le puso en contacto con Natacha Troukhanova, una bailarina franco-rusa que quería volver a reestrenar en París la original producción de San Petersburgo de Salomé, completa con el escándalo que provocaron los diseños de Kalmakoff. 

Con el financiamiento de los Rothschild, y Troukhanova como protagonista, los ensayos comenzaron en el Théâtre d'Oeuvre. Inmediatamente, la historia se repitió. Troukhanova y Kalmakoff comenzaron una relación que molestó a toda la producción. El estreno se pospuso para la próxima temporada, y luego, abandonado por completo. La decoración escándalo que sacudió a San Petersburgo en 1909 no vería la luz en París en 1925. 

Pero, el asunto le inspiró a Kalmakoff una visión renovada de la mujer, dando como resultado algunas de sus mejores obras eróticas. Su Astarte (1926) se carga con la energía sexual: los brazos extendidos de la diosa desnuda de ella emanan eros en el cielo. Los dos grifos sentados a sus pies inspiran majestad. La diosa siria por Lucian nos recuerda que las estatuas originales de Astarte retratado de pie sobre dos leones (por lo tanto los grifos) con una estrella o una luna creciente como su símbolo. 

En 1928, Kalmakoff tenía una exhbition en Galerie Charpentier, en París. Ciento sesenta y dos obras estaban en oferta. A pesar de un grupo de buenas críticas, sería la última exposición en vida de Kalmakoff. Alrededor de este mismo tiempo, cuarenta de sus obras fueron puestas en depósito - y olvidado luego por los siguientes treinta y cinco años. 




Con las hijas de Ivanoff - 1929

Como hemos visto, surgieron cuando el portero del almacenamiento finalmente los vendió "por un par de cientos francos a la casa de subasta Drouot. Y finalmente hicieron su camino hacia el Marché de St. Ouen ( mercado de pulgas ) en París, donde Bertrand du Bocage Collin y Georges Martin du Nord los compró. Así comenzó el renacimiento del interés en las obras Kalmakoff, y la resurrección del propio artista. 

En diciembre de 2001, la revista de culto Art informó que "un gouache que representa una escena galante por el artista ruso Nicolai Kalmakoff se disparó más allá de su precio de salida de 50.000 francos (7.000 dólares) y se vendió finalmente por 280.000 francos (40.000 dólares) en una subasta organizada por Boisgirard. "

ArtistSearch.com ha enumerado la reciente venta de una pluma y de la tinta Kalmakoff en El portal de los sueños por $ 26.000. Mientras tanto, la acuarela de " La Diosa Alada del Vino " se acaba de vender por $ 55.000. La especulación está impulsando los precios de las obras Kalmakoff a cada vez mayores alturas.

---------------


LA CAPILLA DEL RESUCITADO









En 1928, Kalmakoff emprendió uno de sus mayores logros. El autor Héliodore Fortin lo comisionó para crear una serie de veinticuatro pinturas que, en conjunto, conformarían el interior de una capilla. Por lo tanto, el Resucitado de la Capilla Fortín fue concebido. Uno de los libros de Fortin, La Biblia de los Espíritus, inspiraría en parte el manifiesto de la visión esotérica en estas pinturas.

Alrededor de la capilla aparecen una serie de demonios: algunos de piel negra , uno con las piernas serpentinas, Abraxas (?), Otros con ramas de árboles en vez piernas. Estos seres misteriosos con aureolas y coronados con una llama sobre sus cabezas. Y por encima de cada uno de ellos aparece también un enigmático símbolo.





Rata con la boca llena de oro - 1927

Hay otras imágenes de pesadilla en la concepción de esta capilla como la " Rata con la boca llena de oro " (1927). 




El Triunfo del Hombre - 1927

La figura central de la capilla " El Triunfo del Hombre " es fascinante y majestuosa. Él está sentado sobre un arco iris, sosteniendo el mundo en una mano y apuntando hacia fuera con la otra. Sus ojos azules ardientes y pelo ondulado rojo están enmarcados por una aureola trianglular coronada con doce llamas. Más símbolos misteriosos aparecen, uno en cada una de las llamas, y más de doce luces brillantes a su alrededor. Estos extraños símbolos se corresponden con las llamas encima de las cabezas de cada demonio. 

Este increible conjunto  de pinturas fue redescubierta sólo en Metz (Francia) en 1964. Su extraña iconografía  todavía tiene que ser interpretada.

-----------------


CAPILLA DE SANTA JUANA DE ARCO





El Triunfo de Santa Juana de Arco - 1930

Tres años más tarde, Kalmakoff llevó a cabo una nuevo encargo: pintar una capilla dedicada a Santa Juana de Arco como la patrona de Francia, Juana de Arco fue canonizada en 1920 en reconocimiento a la ayuda espiritual y coraje que llevó a los franceses durante la Primera Guerra Mundial. Es un tema al que se adaptaba eminentemente Kalmakoff. El artista realiza una pintura de gran tamaño ( The Triumph of Joan of Arc - 1930 ), entonces comenzó otro ( Juana ante sus jueces - c 1931) y también dibujó el boceto de un díptico detallado ( Juana en la hoguera - 1931). Sin embargo, por razones desconocidas, el proyecto fue abandonado. 



Juana ante sus jueces - 1931

El inacabado " Juana ante sus jueces " sigue siendo valioso porque conserva signos de la técnica al óleo de Kalmakoff. Un trabajador metódico, pintó cada figura directamente desde el fondo (dejando las figuras más importantes para lo último).  Mgebrov recuerda que "como los viejos maestros, nunca compró sus colores, se los preparó a partir de plantas y hierbas, buscando su permanencia dándoles una cierta perennidad a sus obras -. para que pudieran sobrevivir a las edades. Al igual que los pintores de la antigüedad, tenía su forma original y muy solitaria de hacer las cosas "  Esto puede explicar por qué gran parte del tono facial en sus obras ha adquirido un tinte verdoso, tal y como se ve en los iconos bizantinos, en particular de la Escuela Italiana Temprana.



Juana en la Hoguera - 1931

-------------


TERCER PERÍODO
( 1928 - 1955 )




Esfinge Salomé - 1928

Tras la finalización de la Capilla Fortin, comenzó el tercer período de obras Kalmakoff (1928 - 1955). A partir de la figura central de la Capilla Fortín, un estilo más monumental ahora se había impregnadoen la obra de Kalmakoff. Las figuras eran más amplias, más pesadas, más voluminosas, y eminentemente con más presencia. Temas misóginos habían resurgido. Salome reapareció como una esfinge de seis alas, acariciando la cabeza cortada del Bautista con una de sus patas poderosas



Amphitrite - 1927

Después de una fascinación de por vida con las Naiades, ninfas del agua ( Amphitrite - 1927) y la vida acuática ( Dos Seahorses - 1947), rindió el señor de los mares ( Neptuno - 1936) en este mismo estilo épico - los poderosos músculos bien acentuados, el rostro anguloso de perfil fuerte. 


Neptuno - 1936

Irónicamente, al mismo tiempo que Kalmakoff estaba produciendo estas obras heroicas, su propia vida estaba experimentando un declive constante. A medida que sus fondos se agotaron, se vio obligado a exponer en las salas más pequeñas y más baratas. El registro deja constancia de este descenso gradual, piso por piso, hasta que finalmente terminó en un pequeño ático del hotel.

También se estaba quedando sin amigos. Kalmakoff tuvo una pelea con los Evreinoffs en 1931. "Era tan desagradable como le era posible, y nunca lo volvímos a verlo después de eso. Él nos dejó con algunos recuerdos muy malos" recordó Anna Evreinoff.  En otra ocasión, él persiguió a algunos compatriotas fuera del hotel, gritando "rusos sucios! ¿Cómo podéis hablar una lengua tan abominable?" 





Autorretrato - 1929

Peor aún, su salud estaba en declive. A lo largo de su vida, el artista había mantenido una rigurosa rutina de atletismo: regularmente hacía descansos de la pintura para realizar gimnasia. Más de una vez, sus contemporáneos habían comentado su vitalidad: "Kalmakoff sorprendió a la gente con su aspecto extraño", dijo uno. "Tenía una cabeza calva con mechones de pelo blanco y mantuvo una apariencia cuidada, muy pulido,  era también atlético y hacía un montón de gimnasia, incluso mirando al sol directamente. "  "Estaba muy saludable", comentó otro, recordando que le había visto hacer pararse de cabeza y caminar sobre sus manos a una edad avanzada.

Sin embargo, la arrogancia de Kalmakoff y su misantropía, su existencia enclaustrada, y su negativa a exhibir sus obras,  hizo aumentar su pobreza. Como Mme S. sus últimos íntimo recordó, "Todos en el edificio sabían que el viejo pintor en el ático estaba muriendo de hambre. Había llegado al punto en que estaba viviendo con un cubo de mezcla de sopa por día. Pero su arrogancia desalentaba toda compasión ... "




La Bienaventurada Gemma y su Ángel - 1934

Mgebrov nos recuerda que Kalmakoff rechazó la compasión y permaneció orgulloso hasta el final: " se enfrentó heroicamente a su miseria - en el abrigo de un dandy,  recto y estrecho, que él mismo diseñó" 

Para sobrevivir, Kalmakoff adquirió un número de encargos desiguales. Por lo menos dos tarjetas de oración pequeñas del tipo que se vende en las iglesias se han encontrado en estilo Kalmakoff y firmado con el monograma "K", su marca registrada. Fue así como el pintor de Satanás, Astarté y varias obras eróticas se encontró que ilustró la Bienaventurada Gemma y su Ángel (1934) y Niño Jesús con el Cordero  (1934). En este último trabajo, el niño Jesús tiene un parecido extraño al mismo Kalmakoff. Retrato del artista como el Niño Jesús ?   



Niño Jesús con el Cordero - 1934




El soldado y la chica - 1941

Durante la Segunda Guerra Mundial, Kalmakoff también hizo ilustraciones para las fuerzas de ocupación nazi en París - de donde tenemos la imagen de El Soldado y la chica (1941). Después de asesinar a combatientes de la resistencia en París, el soldado nazi cansado por fin encuentra el amor en los brazos de una mujer francesa ... ¿por qué Kalmakoff no quiso exhibir sus propias obras visionarias y tratar de venderlas? A pesar de obtener en su  última exposición en 1928 en la Galerie Charpentier, París, muchos comentarios positivos, se sentía incomprendido por sus contemporáneos. Temía que estaba rodeado de idiotas e inferiores que no pudieron comprender la magnitud de su visión. 

El pintor Ivanoff recuerda: ". Kalmakoff tenía un orgullo formidable y, al mismo tiempo, a pesar de su honestidad y severa pobreza, nunca quiso vender a cualquiera sus obras Y así, para sobrevivir, tuvo que encontrar esos pequeños trabajos que no podía hacer fácilmente - imágenes piadosas, grabados para los alemanes ... "  

El bolsillo lleno de francos ganados de estos encargos apenas lo mantuvo vivo . A pesar de su fuerte voluntad de ascetismo, y el atletismo, Kalmakoff no pudo evitar el frío , la enfermedad y  la lenta hambruna. Al igual que Basil Hallward, el artista en " El retrato de Dorian Grey " de Wilde, que anhelaba la inmortalidad del cuerpo, con la esperanza de encontrarse a través de su arte. Si sólo los autorretratos le harían la edad, y siendo joven! Pero no iba a ser así: "El hombre era terriblemente pobre y, lo que es peor, se sentía cada vez más viejo - algo que, para él, era sin duda una catástrofe terrible" - Anna Evreinoff 
  





La Oscuridad ( sin fecha )

Fue en este estado que él pudo haber pintado obras como The Darkness (sin fecha) y Ángel del Abismo (sin fecha). El primero es uno de sus trabajos visionarios más oscuros. En el estilo épico de su período final, una poderosa serpiente desenrosca su enorme cuerpo y eleva su enorme cabeza para inspeccionar el terreno baldío que la rige. Duras escamas cubren su cuerpo, y su cabeza serpentina termina en un mortal cráneo sonriendo. Mientras tanto, el sol se ha hundido bajo el horizonte de color rojo sangre. Esta es una visión sombría pero quita el aliento de la muerte y la desolación. Sin embargo, la serpiente nos recuerda que, al igual que la serpiente fuera de su vieja piel, puede emerger una nueva vida a partir de las ruinas. 




Ángel del Abismo ( sin fecha )

El Ángel del Abismo es para Kalmakoff el faro de la esperanza. Su armadura, capa y espada, su fuerza ondulante y firme determinación expresa voluntad del artista para escapar del abismo.  Luchar contra ello o, como un ángel, elevarse por encima de ello. Irónicamente, este lienzo fue ejecutado probablemente cuando el artista estaba luchando, desnutrido y debilitado, a través de sus últimos días. Esta imagen de juventud y fuerza compensa la debilidad y la vejez que por fin habían superado al artista.  




Endimión - sin fecha ( clicar )

En 1941, una mujer guatemalteca que vivía en el mismo edificio que Kalmakoff se atrevió a entrar en su dominio reservado. Como ella recuerda: . "Un día, tomé el coraje para hacer frente a unas pocas palabras en su dirección - a la que él no respondió en absoluto, aún así, me metí en su habitación y le dejé una taza de té para él con unas galletas . Una hora más tarde, vino a mi  habitación y ceremoniosamente me ofreció un ramo de rosas. "  



El Cáliz - sin fecha

Así comenzó una relación que estaba destinada a ser la última de Kalmakoff. Mme S. (cuyo nombre se mantiene en el anonimato) tenía veinticinco años más joven que el artista. Durante los próximos seis años, se preocupó por Kalmakoff, pero su relación con ella - como con todas las mujeres de su vida - fue tumultuosa y tranquila. 



Sin título y fecha

En 1947, al cabo de seis años,  llegaron a un acuerdo. Ella lo ingresó en un Hogar para la Tercera Edad, a cambio de una gran colección de sus obras. Así fue que Kalmakoff, a la edad de sesenta y ocho años, entró en la Maison des Veillards en Chelles, al norte de París. Esto no fera un refugio de lujo . Él estaba en un "hogar para indigentes", y estaba rodeado por todas partes por los pobres y necesitados. Dormían varios en una habitación, estaban vestidos y alimentados, y pagaban por mes "unos miserables 300 francos".



Sin título y fecha

Al darse cuenta de que el dinero era su único medio de escape, llamó a la Cruz Roja de Rusia y luego al cura de Chelles. En su desesperación, se ofreció a vender la colección completa de sus obras, actualmente en manos de Mme. S. Sin embargo, cuando el cura mandó su sirviente a la señora S. ella lo rechazó con indignación. Kalmakoff estaba atrapado en una jaula con una especie de humanidad que consideraba brutal e inferior. 



Artemisa y Endimión - 1917

Esto se indica en una rara carta conservada de 1950: . "Aquí, la vida continúa, como siempre, muy lentamente, una existencia casi vegetal, rodeado por una horda de orangutanes, banal hasta el extremo, que ofrecen un espectáculo más que repugnante Psicológicamente, permanecen vacíos, estúpidos, supersticiosos, ignorantes y analfabetos -.. tierra a la tierra, el polvo al polvo. Aparte de comer, nada realmente les interesa . yo tengo que hacer un esfuerzo para retener mi disgusto y aversión hacia ellos. Me domina la desesperación que se apodera de mí cada vez que desentraño las verdaderas profundidades del abismo mental manifiesto en estos brutos y canallas. Que los dioses me conceda mi parte de  fortaleza estoica . "   



Leda - sin fecha

Las enfermeras en el hogar recordaron que "Monsieur Kalmakoff pasó todo el día afilando su cuchillo. Era, de hecho, una especie de navaja que siempre llevaba en la mano. Todos temíamos que iba a tener un accidente ... "  



Leda - sin fecha

En total, pasó ocho años en Chelles.  Cuando uno de sus últimos amigos fue a visitarlo,  lo encontró en un estado miserable. Las manos del artista estaban ahora dobladas y distorsionadas por el reumatismo. Los grandes rizos  de pelo blanco que una vez coronaban su cabeza, habían desaparecido. Se sentó en silencio, sus ojos azules clavados en su huésped - y no dijo ni una palabra.





Kalmakoff murió en el Hospital de Lagny, cerca de Chelles, el 2 de febrero de 1955 y fue enterrado en el cementerio del pueblo. El artista del pasado ahora reposa bajo una cruz sin nombre oxidada y torcida por el tiempo. Mientras tanto, cada década trae cada vez mayor reconocimiento y especulación en la vida y obra de este hombre enigmático y genial, sin duda. 
      
La cruz sigue en pie, sin nombre y torcida, en la entrada al laberinto de Kalmakoff.






1 comentario: