forma es vacío, vacío es forma: Arturo Martini

Arturo Martini (1889-1947) fue uno de los principales escultores italianos de entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda. Él se movió entre un vigoroso clasicismo (casi romano antiguo) y más tarde el modernismo. En 1939 abandonó la escultura en conjunto y escribió un libro titulado "La escultura está muerta", tal vez en respuesta al régimen fascista bajo el cual los escultores italianos tenían que servir. Después de la guerra, volvió a hacer un monumento más antes de su muerte.

Dos años antes de su muerte prematura, sin duda, en 1947, Arturo Martini, nacido en Treviso en 1889, publicó una breve recopilación de reflexiones bajo el título de "Escultura, una lengua muerta". Si este título drástico fue dado por un artista así, quien hubiese experimentado todos los aspectos de esta forma expresiva, dominando la escena en el período entre las dos guerras, entonces podría tener uno fácilmente la tentación de adherirse a su teoría.

Por otra parte, él ya lo había puesto en práctica en 1939, abandonando la escultura durante un par de años y dedicándose a la pintura. Sin embargo, en estas veinte páginas, denunció los límites de "estatuas", el monumento de la escultura como los de los funerales (... "el retrato de predecir el cementerio") y que, esclavo al contenido del régimen fascista (... "es un tipo de Oratorio y en el mejor de los casos, elocuencia. Su único trabajo es celebrar dioses, Santos y héroes ").

Puede, en verdad, decir que estaba cansado de la labor realizada especialmente para ocasiones conmemorativas u oficiales como el de los tribunales de Milán, que aceptó porque "es mi trabajo", pero hacia la que mantuvo una actitud contradictoria, a veces intolerante y satisfecha por sus resultados, en otros consciente de haber producido un "eterno de trabajo".

Sin embargo, Martini fue afortunadamente lleno de contradicciones; durante el trabajo en el alto relieve para el Arengario en Milán (1940-42) produjo una escultura de mármol "el toro", que introdujo la libertad de forma que se encuentra en la "descomposición del Toro" (1943) y después de haber probado la pintura regresó a la escultura, creación de su última gran obra maestra que es el monumento a un partisano que murió a la edad de treinta años, llamándolo "Palinuro", evocando el mito del adolescente de Enna, asesinado mientras él vislumbró un mundo mejor en las estrellas.

Obras por orden cronológico

Amantes - 1920

Se dice que Arturo Martini, nacido en una familia pobre, donde su padre trabajaba como cocinero, no tenía mucha educación, incluso, en su forma típica oral de discurso, dijo de tener que repetir dos veces el primer grado y el segundo grado tres veces. Ciertamente abandonó la escuela temprano, y comenzó a trabajar a los trece años como aprendiz de un joyero, y adquirió rápidamente su propia educación artística con una capacidad de ver las cosas en su forma, queda fascinado desde muy temprana edad.

El Advenimiento - 1921

Soñó acerca de las formas que su padre dio a la mantequilla con la jeringa de pastelería, sobre las casas de escena de la Natividad, un par de zapatos de las mujeres de pan. Objetos simples, tales como juguetes de larga edad, superficies lisas, tales como la ocarina, las cucharas de madera utilizadas por la gente de la montaña, materiales moldeables como mantequilla: estos son quizás los estímulos impresionados sobre el artista que deja huellas en el artista maduro y testificar sin duda su extraordinaria atención a la forma, dado que él lo menciona muchos años después, en 1944.

El poeta Chechov - 1921 ( clicar para ver a mayor tamaño )

Esta misma atención y capacidad para capturar también le ayuda a obtener inspiración de diversas expresiones artísticas, del etrusco arcaico, románico y neoclásico. El primer material que se utilizó fue de arcilla: quizás para su maleabilidad, tal vez porque se podría obtener fácilmente, robandolo (así lo dice) de los vagones que lo llevaban a una fábrica de cerámica cercana.

Ofelia - 1922 -135 x 89 x 39 cm.

En 1906, estudió con el escultor Antonio Carlini, que le transmitió su amor por la escultura de Canova y al año siguiente expuso ocho piezas, de un estilo muy libre de construcción, en una exposición en Treviso. Se trasladó a Venecia en 1908, estudiando con Urbano Nono y en la escuela libre del desnudo en la Academia de Bellas Artes, después en Munich, donde estudió con Adolf von Hildebrand, alimentándose de la cultura clásica y pasando muchas horas del día en los museos y admirando las esculturas de los últimos grandes artistas como Miguel Ángel, Donatello y Luca della Robbia.

Pastor Fido - 1923 - 222 cm.

En París entró en contacto con experiencias vanguardistas, sin estar particularmente influenciado. Siempre permaneció como un hombre autodidacta, intolerante de reglas, incluso su adhesión a los movimientos culturales de la época puede considerarse bastante anárquico. Estaba interesado en el "comercio" y si aprendió de la nada, fue a partir de los bocetos por los que humildemente adquirió las técnicas y trucos que le permitieron superar una cierta complejidad con el mármol de Carrara.

El ciego - 1925 - 180 cm.

Sólo encontró la forma para darle a sus obras dentro de sí mismo; hablando sobre el "Sueño" de terracota y la estatua de piedra de Vicenza "Convalecencia", confiesa: "mi mal es peor que mi fuerza creativa. Así que comencé a trabajar hacia atrás, el cegamiento, librarme yo mismo de mi enfermedad, de haber visto las estatuas del mundo."

Figura femenina - 1926 - 52 cm.

En sus recuerdos se encuentra más entusiasmo por las mínimas manifestaciones de la naturaleza que de cualquier otra obra de arte; incluso si uno define "Tito Livio" como "quitar la respiración", subraya la actitud de Arnolfo di Cambio en el siglo XII, en otro lugar que se lee ".. .unas briznas de hierba, para mí, tienen una influencia particular en mi estado poético".Yo creo que la hierba es la cosa más maravillosa del universo". Las patas de la "Vaca" de bronce no tienen pezuñas porque Martini la ha visto en su memoria, viva mientras camina en la tierra suave con el césped recién cultivada y el ritmo de la obra es el "ritmo de la hierba".

El hijo pródigo - 1926/28 - 217 cm.

Esta maravilla frente a la naturaleza es, quizás, que hace Arturo Martini un artista lleno de espíritu popular, a veces primitivo, capaz de recordar de una manera sencilla y gratuita como en el ejemplo de la terracota o cerámica "teatros" de los años 1927-28, en un mundo de fábulas y en una atmósfera encantada "Espantapájaros enamorado" y "Los amantes".

El hijo pródigo - 1926/28 - 217 cm.

El tema de recuerdos, que es, en realidad, la elaboración y estimula ideas fuertes como "la verdad no existen si uno no tiene recuerdos; entonces es una imagen en vivo", esto podría explicar, junto con su gran capacidad para ver, asimilar y recrear, su criticado encanto y su disponibilidad excesiva hacia todas las formas artísticas que ha sido acusado también de manierismo.

El hijo pródigo - 1926/28 - 217 cm. - detalle

"El hijo pródigo" se ha colocado junto a "El monumento funerario a María Cristina de Austria" de Canova ( pero es cierto que algunos bocetos de Canova tienen eco en muchas pequeñas terracotas de Martini ), el Imperio Romano esculturas de las épocas Traiano y Constantino, el románico de plástico como en el grupo de la "caridad de San Martín" en la Catedral de Lucca, a la "incredulidad de Santo Tomás" por Verrochio y para terminar, el "beso de Judá" por Giotto.

La madre - 1920/30

«Todas las estatuas que he visto» que viven en su memoria son el mal que agita su inspiración e intenta expulsarlas produciendo incansablemente, tratando todas las técnicas y materiales ( imposible no hablar de la escultura de madera atormentada "Maternidad") y pasa a través de todas las épocas y estilos de la escultura, mientras que su investigación hacia las formas de la naturaleza, en un viaje, como le dijo a sus alumnos de la Academia de Venecia, donde se encuentran cascadas, planicies, cielos, agua. El juego de las citas o fuentes amadas por los críticos, sin embargo, puede ser instructivo y divertido.

La espera - 1930 - 196 cm.

Pero, de todas estas sugerencias probables, Arturo Martini ha extraído sólo lo que tenía, según sus palabras, "precisamente en su cabeza", creando una obra que es exactamente lo contrario de una citación culta e intelectual, inmerso en una misteriosa suspensión que cancela cada referencia académica y le quita, sin duda, el aliento de copiar. Sólo el pensamiento con respecto a estas obras, el artista recordó las cabezas olímpicas, diciendo que "hay una recapitulación de la historia italiana de forma: Donatello, Verrocchio."

La Loba herida - 1930 - 140 cm.

Este juego puede continuar para siempre: Canova nuevamente en "La Pisan" en piedra, 1928-29 y la sensualidad controlada de la "mujer nadando bajo el agua; y la escultura egipcia, la llamada "lavandera", para "La Loba herida ".

La loba herida - 1930 - 140 cm.

El sueño - 1931 - 200 x 150 cm. - detalle

Anunciación - 1931

Vincenzo Gemito para el "Tobiolo¨" (aunque Martini habla de la fuente de los Ammannati en Piazza della Signoria de Florencia); en la terracota "Soledad" uno reconoce, sin duda, una escena de campo por Sironi, etc. "La sed y el bebedor", ambos trabajos en piedra, podría llevar la mente a ciertos cuerpos recuperados de Pompeya, pero es más legítimo, a suspender el juego vacante de los souces, pensar que su vitalidad nace más bien de la elección precisa del material en que está tallada, de la inspiración fuerza del elemento agua y quizás también de intolerancia de Martini por la calidad natural de las estatuas: "también lo dije en una lección: todas esas estatuas de pie!"