jueves, 31 de mayo de 2012

Toyin Odutola







































































Toyin Odutola es una artista nacida en Ife, Nigeria en 1985.  Recibió un BA en estudio de arte y comunicación de la Universidad de Alabama en Huntsville, en 2008. Actualmente está trabajando hacia su maestría en la Universidad de California de las Artes. Odutola es conocida por sus autorretratos. El Museo Nacional de arte africano (Washington DC) y el Museo de arte de Honolulu se encuentran entre las colecciones públicas que sostienen obras de Odutola

Utiliza materiales muy básicos papel y bolígrafo. En sus trazos están capturadas las esencias de las etnias africanas; este es un verdadero arte identitario. La piel es el elemento común; su proceso comienza cuando observa la geografía de una tez y todas las marcas que componen un rostro (todos son únicos). Hay tonalidades, pero todo está basado en la dualidad: negro y blanco en la misma piel.







Claudette Schreuders






Grandes Expectaciones - 2011







Dos manos - 2010



 Empezando - 2006





Eclipse - 2008




Abba - 2010




Anna - 2008




Chica con pájaro 




En el interior - 2009




Heroe - 1994




Bystander - 2008




Uno - 2010




Cerca, cerca - 2010




Durmiendo - 2011




El día mas largo - 2003-3004





Historia de amor - 2002




Las tres hermanas - 2003-2004




Chica perdida - 2000




Quemada por el sol - 2000




Heroe - 1994







Claudette Schreuders nació el 06 de febrero de 1973 en Tswhane, Pretoria,Sudáfrica. Se matriculó en Linden High School en Johannesburgo en 1990, graduó BA (FA) de la Universidad de Stellenbosch en 1994 y obtuvo su título de M.F.A. con distinción de la Universidad de ciudad del cabo en 1997. Claudette crea tallas de madera y luego las pinta. Reflejan las ambigüedades de la búsqueda de una identidad en el post-apartheid 'Africana' del siglo XXI. Sus figuras demuestran un canon de híbrido, influenciado por las figuras blolo y colon de África occidental, así como otras aportaciones estilística de escultura religiosa medieval. Claudette, vive y trabaja en Ciudad del Cabo. Ella tiene una Maestría en Bellas Artes, que goza de reconocimiento internacional por su trabajo, vendiendo regularmente todas las obras que expone en Nueva York en la Galería de Jack Shainman.






Ray Charles ( II )






Ray Charles nació el 23 de septiembre de 1930 en Albany, Georgia. Pianista y cantante, Ray Charles perdió la vista durante su infancia por un glaucoma que su familia no pudo tratar por razones económicas. Ray Charles fue un autodidacta del piano, pero también recibió clases de música en braille en la "St Augustine School", un centro para invidentes. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico, cuando fallecieron sus padres. A finales de la década de los cuarenta, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país, y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias a “Baby, Let Me Hold Your Hand”.

Tras una gira por Florida, Ray Charles forma su propia banda. Gracias al cantante de Rhythm and Blues, Wynonie Harris, entra en contacto con ese estilo. Tras firmar un contrato con la discográfica Atlantic Records, en 1955 consigue el número 2 en las listas de Rythm and Blues con el tema “I Got a Woman”.
Su forma tan peculiar de tocar el piano y sus cualidades vocales, junto a una correcta mezcla de músicas de New Orleáns con gospel y blues, conforman el estilo propio de Ray Charles, con el que encamdiló al mundo entero.
Pero su mayor éxito llegó con “What'd I Say”, con el que consiguió el número uno de las listas. El tema es una mezcal de rock con piano electrónico y algún coro estilo gospel. A partir de ese momento, Ray Charles es aclamado por las masas.
Ray Charles falleció el 10 de junio del 2003.





De su álbum de 1964 " Sweet & sour tears ", la canción  " Cry " 
que considero como una de las que contiene más sentimiento de todo su repertorio,
y una de mis favoritas de todas las épocas.



la voz de Ray Charles cuando canta, no canta; LLORA -  me atrevo decir que " literalmente "










miércoles, 30 de mayo de 2012

Memo Akten - Black Sabbath






Memo Akten nació y creció en Estambul, Turquía. Fascinado por la escena demo hacker de los 80, comenzó la programación de música y gráficos a una edad temprana en los ordenadores de 8 bits de la época. En 1997, después de terminar una licenciatura en Ingeniería Civil, se trasladó a Londres donde trabajó en la industria de videojuegos como artista, diseñador y programador. Dejando a la industria en 2003 para perseguir más experiencias de inmersión, ahora equilibra su tiempo entre el trabajo personal, colaboraciones, investigación y encargado de proyectos




Black Sabbath

Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Terry "Geezer" Butler (bajo).

Considerada por muchos como la primera banda de heavy metal, Black Sabbath se formó en 1968 por Tony Iommi, Ozzy Osbourne, Geezer Butler y Bill Ward. La línea original duró hasta 1979, después de lo cual Osbourne fue despedido y reemplazado por Ronnie James Dio. La línea de cambios seguiría con ninguna línea permanente  para lanzamientos consecutivos de estudio. A lo largo de los cambios, sólo Tony Iommi y el teclista Geoff Nicholls, quien también se unió a la banda en 1979, se mantienen con Black Sabbath, aunque Nicholls no siempre se acreditaría como miembro de pleno derecho. En 2006, la línea original fue inducida en el Salón de la fama del Rock and Roll





De su primer álbum de 1970 " Paranoid " 
el tercer track " Planet Caravan "


El vídeo de Memo Akten " Reencarnación " no es totalmente el mismo sin esta banda sonora impresionante...












martes, 29 de mayo de 2012

Gil de Siloé


SEPULCRO DE DON JUAN DE PADILLA

Gil de Siloé ( Hacia 1445, Amberes?-Hacia 1505, Burgos )
Hacia 1493 - Alabastro - Museo de Burgos
Escultura gótica. Escuela hispanoflamenca





El escultor Gil de Siloé, que contaba con un prestigioso y activo taller en la ciudad de Burgos, representa la cumbre alcanzada por la escultura hispánica a finales del siglo XV, un maestro que se coloca a la cabeza de la escultura europea del último gótico, en el ámbito relacionado con el estilo flamenco. 

De su enorme talento se conservan importantes testimonios en forma de retablos y sepulcros en la catedral burgalesa y en la Cartuja de Miraflores, así como esta obra funeraria recogida en el Museo de Burgos, que procede de la iglesia del arruinado monasterio de Nuestra Señora de Fresdelval y a la que faltan siete esculturas que decoraban la parte superior, actualmente repartidas por museos del mundo, tres de ellas en el Museum of Fine Arts de Boston, dos en el Metropolitan Museum de Nueva York y otras dos en colecciones privadas.




Se conocen pocos datos biográficos de este maestro anteriores a su establecimiento en Burgos, ciudad a la que llegó, como otros muchos artistas procedentes del norte de Europa, durante el reinado de Isabel I (1474-1504), todos ellos atraídos por el mecenazgo de reyes y nobles que tanto favorecieron la actividad y la creación, siendo numerosos los arquitectos, escultores y pintores que llegaron a buscar trabajo en España, especialmente flamencos, por los que la reina Isabel sentía una especial predilección. 

Es posible que Gil de Siloé procediera de Amberes, pues en alguna ocasión se le cita como Gil de Amberes. Lo cierto es que en torno a 1480 llega a Burgos plenamente formado y allí, en su taller situado en la calle de la Calera despliega una obra equiparable a la que hacen los mejores escultores germanos de su tiempo, con la peculiaridad de asumir plenamente el gusto español, tanto en la proliferación ornamental de sus obras, siempre exuberantes, como en el dramatismo de las figuras sacras, a las que dota de voluptuosidad supeditando la pureza de los volúmenes a la fastuosidad y la elegancia, de modo que todas sus obras siempre aparecen exuberantes en todos sus detalles, ya se trate de sepulcros o retablos o estén trabajados en madera o alabastro.




Un buen ejemplo es este sepulcro que realiza hacia 1493, después de haber realizado distintas obras para la catedral burgalesa y de haber trabajado junto a Simón de Colonia en la Cartuja de Miraflores y en la iglesia de San Pablo de Valladolid, siendo el autor del sepulcro de los reyes Juan II de Castilla y doña Isabel de Portugal que en 1486 le solicitara la reina Isabel la Católica, hija de estos monarcas, para presidir la capilla mayor de la cartuja burgalesa, una obra funeraria sin parangón en todo el arte español del momento, tallado con el detallismo propio de un orfebre. 

Don Juan de Padilla era el paje predilecto de Isabel la Católica, muerto en plena juventud en 1491, a los 20 años, durante una campaña de la guerra por la conquista de Granada. Tras su muerte, la reina quiso honrar su memoria encargando a Gil de Siloé un suntuoso sepulcro equiparable al que encargara para su propio hermano el infante Alfonso de Castilla en la Cartuja. Hoy aparece como una de las piezas más emblemáticas del Museo de Burgos, después de ser trasladado desde el ruinoso Monasterio de Fresdelval.




El sepulcro está realizado enteramente en alabastro y presenta una estética que fusiona las formas del gótico flamígero con los modos escultóricos originarios de Flandes, sin el mínimo atisbo de influencias del arte renacentista italiano, en plena efervescencia cuando se hace la obra. En el interior aparece el titular arrodillado y en actitud orante, acompañado por la figura de un paje que, rodilla en tierra, le sujeta la espada y la celada. 

El joven don Juan aparece revestido por un voluminoso y rico manto, descrito con una minuciosidad extraordinaria, que presenta aberturas en las mangas, relieves simulando bordados y piedras engastadas y todo él ribeteado por cuentas esféricas que sugieren perlas, piezas ornamentales que hacían furor en aquella época, motivo por el que se incluyeron incluso en la decoración arquitectónica en forma de bolas. Sobre el pecho luce un grueso collar, su cabeza se cubre con un bonete que deja apreciar una larga melena con mechones delineados de forma pormenorizada. 




Teniendo en cuenta la similitud del rostro con el del infante don Alfonso, hemos de considerar que se trata de un retrato idealizado, con rasgos imaginarios ideados sin haber llegado a conocer al personaje, en el que ante todo destaca su juventud. Gil de Siloé hace gala de una labra exquisita, exuberante y obsesionada por captar pequeños detalles representativos de la riqueza cortesana, que infunden verdadero carácter al personaje. 

El fondo del nicho se articula a dos niveles, separados con motivos vegetales calados, que no siguen una estructura simétrica. Predominan los trazados flamígeros en relieve, y la presencia de doseletes góticos. En el lado derecho se coloca un relieve con el tema de la Piedad y encima ángeles que sujetan una cartela.




El relieve de la Piedad es una escena con la figura de Cristo muerto en el regazo de la Virgen ocupando el centro de la composición, que en esta ocasión queda remarcado por la cruz del fondo. A un lado San Juan quita la corona de espinas y al otro María Magdalena destapa un tarro de perfumes, completándose la escena con un paisaje rocoso y arbolado al fondo, junto a una serie de edificios que sugieren la ciudad de Jerusalén. 


El relieve, de trabajo impecable, es por sí mismo una buena muestra de la calidad, delicadeza, elegancia y solemnidad conseguida por el escultor. La parte inferior del sepulcro presenta un frontal con dos escudos del linaje sujetados por ángeles con dos escuderos a los lados que portan armas y atributos simbólicos. El sepulcro queda enmarcado a los lados por dos altos y afilados pináculos, que superan la altura del nicho y que están decorados con tracerías flamígeras y parejas de santos colocados bajo doseletes. 


Aunque el escultor no aplica en este sepulcro la exuberante decoración ornamental de los sepulcros que hiciera para la Cartuja de Miraflores, en la obra no existe ninguna superficie sin decorar, fusionando con gran limpieza el gusto decorativista mudéjar, el gótico flamígero tan extendido en tiempos de la reina Isabel y los minuciosos modos escultóricos provenientes del mundo flamenco y germánico.

Informe y fotografías: J. M. Travieso.





Matias Klarwein






Anunciación 1961




Natividad 1961




Familia 1973




D.M.Z. 1994




Eleonore Ananda 1975




El despertar de Julie









Tiempo 1965




Vida 1971









El sueño de Alexander 1980




Arte Critico 1976




Cuerpo astral dormido 1968




Cuerpo astral despierto 1969




Autorretrato con modelo




Familia de Barcelona 1994




Bizantino









Demeter




Madre de Dios 1973




Atenas




Maria Regina




 Leh c'est beau 1976




Moises y Aaron 1971




San Juan




Susan Berns 1970




Tachyon 1974




Clone ( inacabado ) 2002



Matias Klarwein o Abdul Matias Klarwein ( Hamburgo, Alemania, 9 de abril de 1932 - Deyá, España, 7 de marzo de 2002 ) fue un pintor surrealista célebre por su estilo considerado psicodélico. Sus obras se hicieron famosas al aparecer ilustrando las portadas de discos de diversos artistas y grupos musicales.Klarwein nació en Hamburgo en una familia judía. Su padre Joseph fue un arquitecto vinculado al movimiento Bauhaus y su madre Elsa Kühne fue cantante de ópera. En 1934 con el auge del nacionalsocialismo en Alemania se desplazó con su familia a Palestina.

En 1948, a la edad de 17 años se desplazó con su familia a París donde estudió con Fernand Léger y en la Ecole des Beaux-Arts. En Saint-Tropez conoció a Ernst Fuchs cuyo estilo, a diferencia del de Léger, tendría en el futuro grán influencia en su obra. Durante esta época estableció amistad con muchos otros pintores e intelectuales como Kitty Lillaz, Boris Vian o Salvador Dalí. Durante los años 50 viaja y vive en numerosos países, en Europa, Asia, norte de África y finalmente se establece en Nueva York a principios de los 60. En 1965 obtiene la nacionalidad francesa gracias a André Malraux.Desde entonces alternó su residencia en Nueva York con Deià en Mallorca hasta 1984 cuando se instala definitivamente en la isla.

Mati es conocido como el pintor “hamburgués errante” y “judío-musulman-sufi-cristiano” budista, estudioso del tantrismo. Su obra pictórica, multifacetica, híbrida y multicultural, se situa entre una suerte de “hiperrrealismo surrealista” y el “visionary-art”, muy de moda en los años 60 y 70, asociadas a los movimientos de contracultura beatnick y la psicodelia, conocido también como movimiento hippie. 

Klarwein tuvo una intensa vida social, en Nueva York se relacionó con numerosos personajes del mundo cultural, sobre todo relacionados con el pop art y la música como Andy Warhol, Jimi Hendrix, Peter Beard, Timothy Leary o Jon Hassell. En Mallorca vivió en una casa diseñada por su padre sobre la playa de La Cala. Sus fiestas y eventos fueron célebres y contaban en ocasiones con la presencia de artistas y amigos como Ben Jakober, Yannick Vu, Yakov Lind, Annie Truxell, Curtis Jones, Mondino, Annie Lennox o Lynn Franks. Vendió esta casa para financiar una vuelta al mundo.
Tuvo cuatro hijos de tres mujeres distintas: Eleonore (1963) con la pintora Sophie Bollack, Sérafine (1971) con la escritora y fotógrafa Caterine Milinaire, Balthazar (1985) y Salvador (1988) con la pintora Laure Klarwein.Dominaba los idiomas inglés, francés, alemán, español, hebreo y se defendía en italiano y árabe.Murió de cáncer a la edad de 69 años mientras dormía en su residencia de Deia, Mallorca